Lançado no início de junho, o disco “São Francisco, 31” é um conjunto de dez faixas, que também podem ser vistas e interpretadas como um fragmento de memórias vividas entre os 13 e 24 anos, recorte de tempo em que as músicas foram compostas.

Hoje, com 36, Renan parece ter encontrado um bom equilíbrio no sentido artístico; muda coisa mudou, mas muita coisa também foi preservada dentro do contexto do disco, como ele conta: “Artisticamente, percebi que tinha muitas linhas que eu tinha feito e hoje não faria de jeito nenhum! Em algumas das músicas, meio que optei por preservar o que já tinha pra poder tentar trazer esse resultado da forma que já pensava do que pegar e refazer coisas para ‘melhorar’, entende? Tentei manter essas coisas.”

As canções, que surgiram entre a fase adolescente e o início da vida adulta até serem lançadas por um já estabelecido Renan, contam histórias pessoais através de “personagens verídicos”, digamos assim, que são a família, os amigos, os relacionamentos e até Muriaé, cidade mineira onde o baixista foi criado e acumulou memórias curiosas…

“Eu pulava o cemitério, saía pra beber de madrugada, ir na pracinha, essas coisas. A cidade é um personagem e tem meus familiares, os amigos, pares românticos, enfim, as pessoas que cresceram comigo. É um compilado muito grande de vivências que aconteceram e tentei fazer encaixar isso da melhor forma possível”, ele relembra.

Para os próximos meses, a previsão é rodar o Brasil com o disco em dois formatos: um mais intimista, num voz e violão, e outro mais tradicional, com direito à banda. Viciado em estar na estrada, Renan considera tranquilo conciliar a agenda solo com a agenda da Lupe de Lupe — que, spoiler, deve lançar um novo disco e voltar aos palcos em 2027, segundo o próprio baixista…

A pretensão é levar o disco, que ele define como “o trabalho de uma vida inteira”, para todos os lugares possíveis. “Vai ter turnê solo, ao que tudo indica, por ali em outubro, novembro e dezembro, se Deus quiser. E eu quero bastante show! Pode me mandar para tocar num boteco lá em Rondônia com cinco pessoas vendo que eu vou, véi!”, completa.

Danilo Souza entrevista: Renan Benini

Danilo: Quando e como você percebeu que as músicas guardadas por tantos anos finalmente estavam prontas para virar um álbum?

Renan Benini: Cara, foram músicas que fui aglutinando com os anos. Eu componho há muito tempo e tem músicas que fiz com 13 ou 14 anos de idade, tipo a última faixa do disco [“São Francisco, 31”, que dá nome ao álbum e que é uma canção de dez minutos], que fiz toda a parte de piano com 14 anos.

O que aconteceu foi que tinha essas músicas e aí, durante muito tempo, eu não tocava em nenhuma banda, só fui entrar na Lupe de Lupe quando eu já tinha 20 anos, e aí, quando fui tocar com os meninos, a gente acabou encontrando uma estética, que era guitarras altas e toda essa coisa. Então… uma música com piano!? Achei que nunca caberia [no repertório da Lupe de Lupe], entendeu?

Mas ao mesmo tempo, eu tinha carinho por elas. Então fui juntando essas músicas que não funcionavam com a banda até que cheguei a um compilado ali de umas 15 músicas. Inicialmente até pensei em fazer as quinze, mas depois falei “não quero começar [a carreira solo] com um disco gigante…”. Escolhi as dez que melhor funcionavam entre si e acho que foi o melhor resultado.

Danilo: Você falou brevemente sobre isso, mas vou voltar nessa questão pra pegar mais detalhes. O público já conhece seu trabalho na banda Lupe de Lupe. O que “São Francisco, 31” mostra sobre você que talvez não apareça na banda? Podemos dizer que no trabalho solo você é mais “livre”?

Renan: É uma estética bem diferente, não só uma questão de volume de instrumentos e essas coisas. [No trabalho solo] o Renan tá tocando voz e violão, como assim?! Tocando o instrumento de um jeito bonitinho?! Na Lupe, temos uma estética definida, que é isso de trazer impulso nas músicas e tal. Naturalmente, já existiam coisas antes e depois da banda, então continuei desenvolvendo com as músicas e fui entendendo o que funcionava ou não com a Lupe. A gente tem uma dinâmica e eu sei o que o Vitor gosta, das coisas que Gustavo gosta… sei como é que funciona a cabeça de todo mundo, por isso que estamos tocando há 17 anos.

Tem um entendimento empírico em relação à banda e ao que a gente já produziu, mas também em relação ao que eu estou produzindo agora e principalmente isso de fazer um disco sólido com início, meio e fim, é uma história com um trajeto. Acho que isso tem muito mais a ver simplesmente com as escolhas. Acabou que tem menos barulho e menos volume. O que [os ouvintes da Lupe] podem esperar desse disco?! [Esperem que] é um trabalho sobre o Renan.

Danilo: Como foi revisitar composições escritas por um Renan adolescente e jovem adulto anos depois?

Renan: Na maior parte das músicas, eu tinha a melodia mas não tinha letra. Quando eu as escolhi para começar a gravar, tive que revisitar todas em dois sentidos; o primeiro foi criar uma letra dentro daquela melodia que já tinha elaborado muitos anos antes, e o segundo é que não queria fazer uma coisa que fosse completamente aquém do momento que eu fiz as músicas, isso foi uma preocupação que tive.

Quando fui fazer a última música, sabia que seria alguma coisa sobre mim e sobre a minha vida, porque é uma música que fiz ainda adolescente e fui maturando durante muitos anos, fui criando fases. Foi numa época que eu ouvia muita coisa experimental, então eu queria pôr umas coisas diferentes.

Por isso que o disco é todo assim. A capa do disco é a foto da minha avó. A minha ideia, se um dia eu lançar isso fisicamente, é que cada música vai ter uma capa que é um retrato do que eu quero passar com aquele sentimento relacionado à música. Tentei fazer com que o disco inteiro conversasse nesse sentido e eu propositalmente tento escapar desse negócio de alegoria, de lirismo, de visão romântica, que muitas vezes gosto muito de falar, mas tentei fazer uma coisa mais sólida nesse sentido, sabe? Voltei para casa dos meus pais um ano atrás e foi legal revisitar muitas coisas, foi forte para mim.

Danilo: A convivência familiar aparece como um tema importante e quase central no disco. Como essas relações influenciaram sua escrita, principalmente nesse contexto de que as letras e as melodias foram feitas em fases diferentes da sua vida?

Renan: Acho que isso faz parte inerentemente da arte, que é um exercício de reflexão humana. Aqui a gente pode falar que o que existe de mais humano em alguém é a arte que ele produz, seja em qualquer momento histórico ou cultural, e isso é legal demais, é uma das coisas que mais me empolga ao produzir.

Em relação a isso da família, acho fantástico que exista essa língua universal que não depende de muitos fatores, a não ser o próprio fator artístico, né? Por exemplo, na capa sou eu com minha avó, e talvez isso possa fazer com que o ouvinte se lembre da avó dele e tenha um carinho por isso. Eu gosto muito desse negócio de família, que é amar muito, mas ao mesmo tempo brigar… essas coisas que acontecem em todas as famílias funcionais e disfuncionais (risos). Uma das coisas que eu mais gosto de vivenciar é esse diálogo, uma coisa artística que te leva a pensar em alguma coisa e te inspira, essa é uma das trocas que mais gosto.

Danilo: É legal, pois, de certa forma, as pessoas da sua família se tornam meio que personagens dentro da história do disco. Chegou a mostrar as canções para eles? É como foi a reação?

Renan: [A reação foi] legal, meio curiosa, porque as pessoas não sabem como reagir. Minha irmã, por exemplo, teve a cara dela na capa de um dos singles [o “Valsa de um Bolero”, lançado em abril de 2026], numa foto em que estamos ela e eu. Minha família me apoia muito nesse sentido artístico. Sou meio envergonhado com isso e não gosto de mostrar [as músicas], odeio sentar perto dos outros se estiverem escutando alguma música minha, fico parecendo uma avestruz querendo enfiar a cabeça na terra (risos).

Sobre isso que você falou, das pessoas e coisas “virarem um personagem” para uma música, tem a “Muriaé”, que é a cidade onde fui criado [um município de Minas Gerais, localizado a cerca de 300km de distância da capital, Belo Horizonte] e onde estão as coisas que vivi. Eu pulava o cemitério, saía pra beber de madrugada, ir na pracinha, essas coisas. A cidade é um personagem e tem meus familiares, os amigos, pares românticos, enfim, as pessoas que cresceram comigo. É um compilado muito grande de vivências que aconteceram e tentei fazer encaixar isso da melhor forma possível.

Danilo: O disco reúne músicas compostas entre os 13 e os vinte e poucos anos. O que mudou para você, enquanto artista e também na sua vida pessoal, ao longo desse intervalo entre composição e lançamento?

Renan: Muita coisa! Agora estou com 36 anos, e ali no disco tem música ali de 15, 16, 18, 19 anos… o Renan mudou completamente em termos de personalidade. Tem aquela sensação que a gente nunca sai da infância, vamos só prolongando ela, então, sim, tem alguns traços que você nunca perde e também aquela identificação do seu eu, por mais que se torne diferente, você ainda é aquela pessoa

Artisticamente, percebi que tinha muitas linhas que eu tinha feito e hoje não faria de jeito nenhum! Em algumas das músicas, meio que optei por preservar o que já tinha pra poder tentar trazer esse resultado da forma que já pensava do que pegar e refazer coisas para “melhorar”, entende?

Tentei manter essas coisas. Mas a gente muda, nós começamos a ouvir outras coisas, outras referências culturais, outras referências artísticas, ainda mais quando você vai ficando mais velho, mas isso vai agregando muita coisa. É uma questão que é tirar de si mesmo uma ideia e pôr para fora, o que também tem a ver com essa evolução e essa construção que nós somos.

Danilo: Disco lançado, e com isso vem aquela pergunta de sempre depois disso… tá pensando em levar pra estrada? E como vai ser conciliar a agenda com a Lupe?

Renan: Cara, vai ter turnê solo, ao que tudo indica, por ali em outubro, novembro e dezembro, se Deus quiser. E eu quero bastante show! Pode me mandar para tocar num boteco lá em Rondônia com cinco pessoas vendo que eu vou, véi! Tanto é que estou pensando muito em fazer uma parte da turnê só eu e o violão, bem intimista mesmo, porque tem muitas músicas que dá para poder tocar. Ao mesmo tempo, sei que tem algumas que não vai ter como, tipo a “São Francisco, 31”, só se eu contratar uma orquestra para tocar no show (risos). Depois, pode ser que tenha uma segunda parte com banda e aí a gente vai dar os nossos pulos, mas em resumo, por enquanto, é isso; eu com uma guitarra no ombro por aí e depois um formato mais tradicional para shows maiores.

Sobre conciliar agenda com a banda, a Lupe vai ter shows ano que vem, a gente faz turnê de dois em dois anos e deve ter um disco também. Mas isso é tranquilo de conciliar porque é isso que eu gosto, mano. Eu adoro! Se eu puder ficar na estrada o ano inteiro com três shows por dia, pode contar comigo que estarei lá.

Danilo: Por último, uma pergunta meio “Marília Gabriela” (risos). “São Francisco, 31” em uma frase por Renan Benini?

Renan: Pô, uma frase só?! Cara, é o trabalho de uma vida inteira.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

“Ubá”, inicialmente, nasceu como um EP, em 2021. Anos depois, o trabalho deixou de representar o que seria uma nova fase da dupla naquele momento para representar toda a sua história, como eles contam, trazendo faixas que apresentam tanto o ânimo e a curiosidade do início quanto à maturidade e experiência adquiridas durante a carreira, que já conta com cinco discos de estúdio, um ao vivo e três EPs.

Hoje em outras cidades – Pedro na metrópole baiana, Salvador, e Gabriel em Belo Horizonte, capital mineira – os meninos seguem se dedicando em documentar suas memórias e vivências em Vitória da Conquista, local onde tudo começou, em 2019. Além das músicas em áudio, disponíveis via streaming, a dupla também liberou no Youtube um filme com imagens que registram o caminho até a sua cidade natal.

Trabalhando a memória e tudo o que a cerca, como as pessoas, momentos e lugares — sejam eles geográficos, emocionais ou até mesmo inventados — a dupla usa a música ambiente como um caminho artístico e filosófico de enxergar sua própria trajetória.

A seguir, acompanhe a entrevista que fiz com Pedro e Gabriel especificamente sobre o disco “Ubá”.

Membros de bandas, amantes da música e profissionais de imprensa se reuniram em um evento no Centro de Cultura Camillo de Jesus Lima para acompanhar o coquetel de lançamento, que contou com música ao vivo e uma roda de conversa com a participação de Plácido Oliveira, revisor e autor do prefácio do livro, Noi Soul, voz que guia a versão em áudio da obra, a artista Joy e a jornalista Jacqueline Silva, da Rádio UESB, que mediou o debate.

Tímida, Raquel respondeu perguntas sobre a criação do livro e as dificuldades para documentar praticamente uma década inteira de música local e independente. Dias antes do lançamento, ela e eu tivemos um papo parecido, publicado via Conquista Repórter, em que ela definiu esse processo da seguinte forma:

Plácido, pesquisador, historiador e jornalista, conhecido pelo seu trabalho de manter viva a memória e o presente da música de Vitória da Conquista, elogiou a iniciativa de Raquel e aproveitou a oportunidade para lembrar de Miguel Côrtes, radialista que comandou o programa “O Som da Tribo” e que foi o principal nome do Rock da cidade dentro da comunicação.

Raquel e Plácido se sentem orgulhosos e felizes com o trabalho feito, mas brincam ao contar que esperam que novas gerações surjam para dar continuidade à documentação. “Que outros pesquisadores e escritores também ampliem esse olhar e se sintam instigados a explorar o tema. O registro é um trabalho que nunca acaba, sempre vão existir festivais, bandas e públicos que movimentam a música local”, comenta a autora.

Quem foi ao evento conseguiu adquirir um exemplar com dedicatória e autógrafo de Raquel, que, mais do que assinar livros, assina seu nome na história da Cultura da cidade ao dedicar parte de sua vida à uma missão deixada de lado por muitos, inclusive dentro do jornalismo.

Até o momento da publicação deste texto, a única forma de comprar um exemplar é diretamente com a escritora, por meio do Whatsapp (77)988251835. Posteriormente, serão disponibilizadas o audiobook (versão do livro em áudio) e também a versão digital, em formatos .pdf, epub e ebook.

“A Conquista do Rock” é um projeto contemplado nos Editais da Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura na Bahia, realizados com recursos do Governo Federal repassados pelo Ministério da Cultura, e executados pelo Governo do Estado da Bahia, por meio da Secretaria de Cultura do Estado.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

“Ubá”, inicialmente, nasceu como um EP, em 2021. Anos depois, o trabalho deixou de representar o que seria uma nova fase da dupla naquele momento para representar toda a sua história, como eles contam, trazendo faixas que apresentam tanto o ânimo e a curiosidade do início quanto à maturidade e experiência adquiridas durante a carreira, que já conta com cinco discos de estúdio, um ao vivo e três EPs.

“A gente compunha algumas coisas que não entravam nas ideias dos discos novos, então ficavam ali guardadinhas e, de repente, entendemos que tínhamos um trabalho pronto com essas composições, que orbitavam um mesmo tema e é o que a gente escuta hoje no ‘Ubá’. Por isso, é quase como se fosse um espelho; ele sempre esteve lá e a gente, de alguma forma, sempre olhou para ele e a presença dele também contornava a nossa produção das outras coisas, do sentido de existir um trabalho ali”, conta o vocalista e compositor Candioco.

Hoje em outras cidades – Pedro na metrópole baiana, Salvador, e Gabriel em Belo Horizonte, capital mineira – os meninos seguem se dedicando em documentar suas memórias e vivências em Vitória da Conquista, local onde tudo começou, em 2019. Além das músicas em áudio, disponíveis via streaming, a dupla também liberou no Youtube um filme com imagens que registram o caminho até a sua cidade natal.

Trabalhando a memória e tudo o que a cerca, como as pessoas, momentos e lugares — sejam eles geográficos, emocionais ou até mesmo inventados — a dupla usa a música ambiente como um caminho artístico e filosófico de enxergar sua própria trajetória, como assume Gabriel.

“Tem áudios que parecem ruídos, com uma certa atmosfera que não seria algo captado em um estúdio fechado, e dessa forma você capta não só o som do instrumento, mas o tempo que aquilo está ocorrendo. No [disco] ‘Tradição/Tradução’, por exemplo, tem ‘A Todos Nosotros’, que tem áudios da minha avó conversando comigo, então, no dia em que minha avó partir, eu posso voltar para aquela música e aquela memória está internalizada ali fazendo parte de uma canção, e isso ressignifica não só a música, mas a memória também.”

Crias do Teatro Carlos Jehovah, um dos espaços culturais mais importantes da história de Vitória da Conquista (e que foi abandonado há alguns anos…), os garotos admitem que sentem falta do espaço e que isso até dificulta de voltar com um show para a cidade. Para Gabriel, neste momento, é mais oportuno voltar com um show de banda… “A gente foi criado num espaço cultural em Vitória da Conquista, o Teatro Carlos Jehovah, em que dava pra gente fazer coisas mais intimistas, e agora não tem mais esse espaço.”

Já Candioco adiantou que vai rolar um retorno às terras conquistenses ainda em 2026. “Vai ser muito emocionante pra gente, mas, de fato, temos que ver com calma. Fico muito empolgado com essa possibilidade, porque a gente foi recebido com muito carinho na vez que tocamos por aí. Existe um planejamento muito sólido de voltar, mas não seria ainda com o ‘Ubá’, seria com esse show em banda”, completa.

A seguir, acompanhe a entrevista que fiz com Pedro e Gabriel especificamente sobre o disco “Ubá”. Caso queira conhecer mais sobre a história do duo, leia esta entrevista, publicada em setembro do ano passado, quando conversamos mais a fundo sobre a carreira dos meninos.

Danilo Souza entrevista: cajupitanga

Danilo: Esse é o quinto disco de vocês, e, ao mesmo tempo, o primeiro, podemos dizer assim, porque traz composições de lá do começo, em 2019. Como foi revisitar a história do duo para lançar “Ubá”?

Candioco: É muito doido, porque a gente fez o disco “Tradição/Tradução” em 2020 [que saiu em 2021], e eu estava começando a produzir e também a entender o que era a nossa produção, na estética e no que a nossa música poderia ser. No “Tradição”, conseguimos encontrar uns caminhos e logo depois dele tivemos duas ideias; um segundo disco, na época, que é um disco que estamos fazendo até hoje com muito cuidado, e em paralelo a isso veio a ideia do “Ubá” como um EP, em 2021, logo depois do lançamento do “Tradição”, justamente para pegar essa parte um pouco mais atmosférica e mais ambiente das coisas que a gente tinha trabalhado até então. Sempre tive na minha cabeça a cajupitanga com esse lado um pouco mais ambiente, mais atmosférico, com mais ruído, enfim, mais vibe mesmo do que sobre canção.

A gente compunha algumas coisas que não entravam nas ideias dos discos novos, então ficavam ali guardadinhas e, de repente, entendemos que tínhamos um trabalho pronto com essas composições, que orbitavam um mesmo tema e é o que a gente escuta hoje no “Ubá”. Por isso, é quase como se fosse um espelho; ele sempre esteve lá e a gente, de alguma forma, sempre olhou para ele e a presença dele também contornava a produção das outras coisas, no sentido de existir um trabalho ali.

Sinto que lançar “Ubá” agora dá contorno a algo que sempre esteve presente no trabalho, na nossa concepção do que era o projeto, então é uma alegria muito grande finalmente apresentar isso, que, de alguma forma, é o encerramento de um ciclo e de produção.

Danilo: Inicialmente, o trabalho seria um EP. O que mudou de lá pra cá, desde a concepção do projeto? Como vocês enxergam essas faixas agora?

Gabriel Tupy: Meio que a gente “pegou um barco”, que foi tudo o que tínhamos lançado até agora, mas também sempre tivemos do lado “um outro barquinho” como um “cofrinho de moedas de troco”, então o que sobrava nós deixávamos ali, e aí foi acumulando. E é interessante, porque remontam memórias; quando você escuta faixas rápidas de um minuto, para mim, é como voltar por um minuto para um ponto muito específico da história da cajupitanga, e aí chega a ser esquisito, porque essas músicas foram completamente embaralhadas e às vezes aparece uma faixa longa, de quatro minutos, como se fosse uma memória um pouco maior, e é bonito isso de ter lampejos.

“Ubá” chega nesse momento com a gente decidindo que, agora que temos tudo isso, vamos pegar esse barco e ir para outro canto. O que a gente gravou até aqui é um ponto final. Tematicamente, fala um pouco sobre nossa relação com a música de Conquista e com o jeito que a gente vê a cidade, e acho que “Ubá” consegue, através do mecanismo e do conceito de memória, apontar tanto o passado quanto para o futuro.

Danilo: De certa forma, por ser um disco que passou por um longo processo de gestação, ele também documenta o amadurecimento de vocês. A cajupitanga já tem discos de estúdio e ao vivo, abriu shows para bandas importantes do cenário alternativo, como a Boogarins, e faz parte de um selo, a Cantores Del Mundo. Imaginavam isso tudo lá no começo, em Vitória da Conquista?

Candioco: A gente sempre teve algo de não idealizar tanto os processos que não estão na nossa alçada. Acho que o nosso pecado é idealizar demais as coisas que acontecem aqui dentro, no sentido de ir concebendo um monte de projetos ao mesmo tempo, por isso que somos muito produtivos, mas os processos que acontecem fora nunca idealizamos tanto porque sempre foi muito difícil, né?

Tivemos a experiência antes da cajupitanga [com a banda Taro] e que ilustrou pra gente o quanto é complicado estar fazendo show… por isso acho que a gente nunca viajou muito, não, de ficar pensando “quando esse disco sair, f*deu, vai bombar, vamos fazer muitos shows e tudo mais”, sobretudo pela impossibilidade que temos para nos apresentar. Demoramos para estrear nos palcos por N motivos, o principal deles é a gente estar morando em cidades diferentes. Sempre mantivemos o pé no chão para fazer o que a gente quer, vamos fazer nosso disco, nossos trabalhos e vamos tentar construir uma comunidade na internet, e se não tiver ninguém, vamos continuar fazendo!

A grande surpresa, no fim das contas, foi, de fato, várias coisas terem acontecido de uma forma muito rápida e com pessoas que a gente admira muito. A nossa estreia no palco, no Centro de Cultura, em Conquista, foi uma noite inesquecível porque, primeiro, a gente organizou junto com o Lucas Gerbazi, que foi o padrinho da Taro e acabou sendo padrinho da cajupitanga também, é o cara que sempre esteve com a gente e que nos apoiou, então, ter feito esse evento com ele já foi uma celebração de alguma forma.

Eu construí uma relação muito forte com o Ramon Gonçalvez, do projeto Aurata, que permitiu que ele nos convidasse para abrir o show de lançamento do disco dele, que foi nossa estreia em Salvador, logo no Teatro Vila Velha e com casa cheia! Aí, no terceiro show, abrimos a turnê do [disco] Bacuri, do Boogarins [banda goiana conhecida no cenário alternativo nacional], no Largo Quincas Berro d'Água. Foi muita loucura e com certeza a gente não imaginava, mas também foi fruto da construção do trabalho que estamos fazendo, que é um trabalho que não é só de composição e de lançamento de músicas, mas um trabalho de relação também. É uma trajetória que, no fim das contas, tenho muito orgulho, porque acho que a gente não se desvirtuou em nenhum momento, fizemos tudo que era possível e tudo com muita, muita verdade, com muito coração, e é por isso que algumas coisas acabam acontecendo meio rápido assim.

Danilo: Vitória da Conquista é meio que o tema central de “Ubá” e aparece mais como um lugar emocional do que no sentido geográfico da coisa. De que forma vocês trabalham as memórias pessoais neste disco e as transformam em uma memória coletiva sobre a cidade?

Gabriel Tupy: Filosoficamente, o quê que seria uma memória? Porque, se a gente parar pra pensar, a memória não existe por si só, não existe fora do que é o eu. Por exemplo, se aconteceu um acidente ou algum tipo de doença em que eu perco minha memória, eu paro de me identificar como Gabriel, porque não existe memória. Então, como trazer a memória, algo que é interno, para algo externalizado? Acho que a música ambiente ajuda nesse sentido de captar essas expressões externas do eu.

Tem áudios que parecem ruídos, com uma certa atmosfera que não seria algo captado em um estúdio fechado, e dessa forma você capta não só o som do instrumento, mas o tempo que aquilo está ocorrendo. No “Tradição/Tradução”, por exemplo, tem “A Todos Nosotros”, que tem áudios da minha avó conversando comigo, então, no dia em que minha avó partir, eu posso voltar para aquela música e aquela memória está internalizada ali fazendo parte de uma canção, e isso ressignifica não só a música, mas a memória também. Antunes [Candioco] também tem vários áudios, que aparecem mais no “Ubá”, de pessoas que eu sei que circundam a vida dele, sabe? E penso “poxa, isso aí são memórias dele, não são minhas”. Eu não tenho esse tipo de memória, mas consigo acessar as memórias dele a partir desses ruídos, áudios e atravessamentos.

O disco funciona dessa maneira, de se tornar uma metalinguagem bem grande do que há dentro da música em si. As músicas, o embaralhamento e a duração delas funcionam como memória e como a gente as organiza. No título de “Ubá”, está que são músicas de 2019 a 2024, mas pergunto para Pedro, por exemplo, de que ano é essa música? E esse áudio? Nesse contexto em que tem uma faixa de tempo, as memórias se embaralham e criam esse efeito de você entrar e não saber em que tempo e espaço que tá. Enfim, não sei se eu fui filosófico ou maluco demais (risos).

Candioco: Não, não, tem sentido! E tem algo também, que é esse espaço não necessariamente ser físico, mas emocional. É um espaço inventado, né? Tipo, o quê que é Vitória da Conquista? Tenho absoluta certeza que Vitória da Conquista não é o que eu acho que ela é, nunca foi o que eu acho que ela é e nunca será. A cidade é uma invenção, porque a sempre vai ser só a cidade que eu experiencio. A foto de capa de “Ubá” sempre me emociona muito porque é motivo de muita imaginação e de muita invenção para mim, é um horizonte que me leva a imaginar e a inventar o que é esse espaço. O disco se coloca nesse sentido e nega essa ideia de que a gente tá ali representando o que é a cidade.

Danilo: Outra coisa que transparece neste álbum, principalmente no audiovisual, é a lembrança e o afeto pelas paisagens de Vitória da Conquista. No filme que acompanha as músicas no Youtube, é registrado o caminho que leva até a cidade. O que vocês encontram aqui que não encontram em Salvador e Belo Horizonte, no sentido emocional da coisa?

Candioco: Essa coisa do audiovisual era justamente porque a gente entendia que o trabalho precisava de uma visualidade, porque isso deixaria muito evidente que essa cidade que estamos representando é um espaço inventado, mas povoado pelas nossas memórias. Fica muito claro isso no filme, porque é o meu olhar sobre a cidade, as coisas me chamam a atenção e as coisas que me afetam. Me emociona muito o filme, porque traz uma materialidade muito imediata do que é esse lugar que eu inventei? É o casamento perfeito com o que a gente propôs sonoramente. A gente não encontra nem em Conquista o que inventamos dela, muito menos em outras cidades.

Gabriel Tupy: Enfim, é meio isso. É uma relação parecida com a que eu tenho. Esse negócio de voltar para casa, às vezes voltar de ônibus, é muito sofrido, porque são mais de 16 horas de viagem, e enfim, é uma epopeia para chegar em Conquista. E é a cidade que eu sempre volto, mas é uma cidade diferente toda vez. Então, a memória pode ser ao mesmo tempo ser um recurso de invenção e de mostrar o fluxo da cidade, e o filme tenta captar isso.

Quando a gente anda de bicicleta ali pela Olívia Flores, que é uma das avenidas mais movimentadas da cidade, tem bois! Tem esse contraste. Então, acho que essas memórias meio que ajudam o filme nesse sentido de mostrar esses contrastes, esses movimentos de invenções e, para além da gente, como a nossa cidade está e vai continuar se transformando. Não adianta a gente se segurar nessas memórias. Não adianta. O que importa é que, de alguma forma, a gente registrou sentimentos desses lugares e são coisas que meio que vão ser carregadas para sempre.

Danilo: “Ubá” é a primeira parte de “TORNADA”, uma série dividida em quatro atos. Dá pra adiantar o que vai seguir rolando e como o disco introduz os ouvintes nessa nova fase do duo?

Candioco: Não vai sair nada novo esse ano. Estamos lançando coisa demais!

Gabriel Tupy: Vamos segurar um pouco. Posso já adiantar o disco “Casa Dois”, que faz parte do TORNADA. Esse é um disco que estamos trabalhando há muito tempo e que exige tempo, esmero e um monte de coisa. Não sei se será o próximo, mas posso adiantar que é um outro grande disco que sairá nesse projeto que o “Ubá” iniciou. Ele [o “Ubá”] deu o pontapé inicial da temática do “TORNADA”, de voltar para Conquista e compor voltado para essas memórias, temas e pessoas que envolvem o tempo que moramos em Vitória da Conquista.

Candioco: Não é o momento de lançar ele agora [o disco “Casa Dois”], porque, enfim, a gente já fez muita coisa [em 2026]. As [outras] partes [do projeto “TORNADA”] já estão prontas e quando a hora certa chegar a gente vai lançando. Estamos muito felizes também com a recepção do “Ubá”, ele chegou num momento muito oportuno da nossa carreira e ele representa uma estética que eu sinto que a cajupitanga sempre apontou, mas nunca tinha um trabalho que era [dessa estética], e eu sinto que ele é. Quero me segurar um pouco nele, é um disco muito especial para gente.

Gabriel Tupy: Se quiser ter spoiler, tem que ir no show (risos).

Candioco: É basicamente isso.

Danilo: Por último, o que vocês esperam despertar nos ouvintes, especialmente de Vitória da Conquista, com “Ubá” e “TORNADA”? Podemos esperar um retorno à cidade?

Gabriel Tupy: A gente foi criado num espaço cultural em Vitória da Conquista, o Teatro Carlos Jehovah, em que dava pra gente fazer coisas mais intimistas, e agora não tem mais esse espaço. Então, para levar o “Ubá”, a gente precisa organizar isso direito. Vamos tentar o mais fácil de levar, por enquanto, que seria um show “com banda”, entre aspas, porque há espaços na cidade que foram construídos para isso e que as pessoas que acompanham os festivais em Conquista percebem que o espaço aberto clama por uma coisa mais extrovertida, então ficaria mais fácil apresentar o show com banda que já apresentamos em Salvador e que vamos apresentar em outros lugares em breve.

Candioco: Provavelmente vai acontecer da gente voltar para Conquista ainda esse ano, só que seria com esse show com banda, apresentando o “Casa Dois”, inclusive, e algumas das composições antigas. Sem dúvida a gente quer rodar com o “Ubá” e acho que é fundamental para o ciclo de vida desse trabalho apresentar ele em Conquista. Vai ser muito emocionante pra gente, mas, de fato, temos que ver com calma. Fico muito empolgado com essa possibilidade, porque a gente foi recebido com muito carinho na vez que tocamos por aí. Existe um planejamento muito sólido de voltar, mas não seria ainda com o “Ubá”, seria com esse show em banda.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

No disco estendido, que conta com uma faixa bônus (“Régis – É Demais!) e três novas versões de músicas já lançadas no primeiro álbum (“Na Espera – De Um Cometa ou Um Raio”, “En Mi Cuarto – Low Profile”e “Luzes Que Vão Passando – Frio”), Pablo recebe a artista argentina Lívia, a banda texana Valiant Blues e os brasileiros Corama, Lauiz, da banda Pelados, além dos gaúchos da Supervão.

Para o cantor, ao unir diferentes sotaques, vivências e texturas sonoras, o álbum deixa de ser um relato puramente individual e ganha uma dimensão coletiva, provando que as angústias hiperconectadas dessa geração são universais.

“Essa correria e a sensação de que o tempo está escapando pelas telas é algo que todo mundo sente hoje. Trazer essas conexões e diferentes vozes para o disco foi um jeito de transformar esse isolamento em um ponto de encontro. O álbum é plural porque essa angústia de tentar viver o agora também é coletiva”, explica Pablo Vermell.

O álbum Futuro Presente Deluxe foi produzido e mixado por Daniel Cataldi e conta com a participação especial dos músicos Kazuaky Nakama (guitarra), Guilherme Pacito (baixo) e Alexandre Fritzen (teclados), equilibrando influências que vão de Clairo a Terno Rei e Roberto Carlos. A masterização ficou a cargo de Samuel Amaro, artista de Maringá (PR) mais conhecido pelo seu projeto de lo-fi hip hop Qumma.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

Gravado de forma caseira e independente pelo músico durante o processo de diagnóstico de autismo e depressão, entre dezembro de 2025 e fevereiro de 2026, o trabalho formado por demos soa cru, mas sincero, honesto e emocional.

O violão, grande companheiro do artista em suas composições em casa, é o principal personagem do EP. Entre os nomes que serviram de referência para as canções, estão Lô Borges, Pink Floyd, Fleetwood Mac, Yonlu e Mac deMarco, por exemplo, misturando temas intimistas e pessoais de Danzzz, como a solidão e os questionamentos sobre a morte, com a experiência de se expressar por meio de um instrumento, adquirida por meio de sua vivência no meio artístico.

As faixas registram os altos e baixos de um processo de cura, o que transparece nas melodias compostas pelo artista. Em canções como “INFERNO DE DANTE” — baseada no livro “A Divina Comédia” e a sua história de um homem que passou pelo inferno e purgatório antes de chegar ao céu, “AMIGOS IMAGINÁRIOS” e “SERTRALINA 50MG”, Danzzz aposta no som para enviar a mensagem e transmitir o que sentia naquela fase de sua vida ao público.

Já em “SE O AMOR CHEGAR” e “NINA”, música inspirada no cão de estimação de Danzzz, um dos seus principais apoios emocionais, o artista encontra ânimo na esperança, na saudade e no amor. “TEMA DA VITÓRIA”, que recebe esse nome por sua semelhança com o famoso tema tocado nas transmissões de TV quando Ayrton Senna vencia corridas de Fórmula 1, e “PRA QUANDO ESTIVER COM SAUDADE DE CASA”, completam o trabalho.

“Foi curioso e revelador rever minha própria vida com um novo olhar após o diagnóstico de depressão e, principalmente, de autismo. As músicas desse trabalho, por mais que não tenham sido compostas para ser um EP ou disco inicialmente, se conectam por um motivo em comum; em todas elas, eu estava tentando tirar algo de positivo dos sentimentos de tristeza, solidão, culpa, saudade, por aí vai…”, conta o músico.

O nome do EP, diretamente interligado ao medicamento usado durante o processo de recuperação, foi uma forma de “homenagear” a fase que viveu sob efeito do antidepressivo, entre janeiro e maio de 2026. Foi a primeira experiência de Danilo com remédios e acompanhamento psiquiátrico, o que ele define como essencial para superar o transtorno.

Clique aqui e encontre o perfil de Danzzz em sua plataforma de áudio favorita.

Tracklist, ficha técnica e créditos de “SERTRALINA 50MG DEMOS”

1. INFERNO DE DANTE

2. AMIGOS IMAGINÁRIOS

3. SE O AMOR CHEGAR

4. TEMA DA VITÓRIA

5. NINA

6. PRA QUANDO ESTIVER COM SAUDADE DE CASA

7. SERTRALINA 50MG

Áudio:

Todas as faixas compostas, arranjadas, gravadas, mixadas e masterizadas por Danilo Souza, sob o pseudônimo Danzzz;

Distribuição:

Distribuição e licenciamento para as plataformas via distribuidora Fresh Tunes.

Sobre Danzzz

Danzzz, o projeto artístico de Danilo Souza, surgiu em meio ao caos. Quando ainda adolescente, aos quinze anos, o artista passou a se aprofundar no processo de aprendizagem de produção criativa e musical, aspecto que já desenvolvia desde os dez anos, quando começou a tocar violão por influência do pai.

Ao longo dos seis anos em atividade, o artista moldou características que são marcas registradas do seu som: explorar o desconhecido, mesmo com medo, e acumular experiências, por mais profundas e irreversíveis que elas possam ser. Nesse sentido, em 2021, nasce o seu primeiro grande trabalho, o EP “Incógnita”, lançado de forma independente e que documenta o seu processo de recomeço e a luta para superar o passado após um grande trauma.

Em 2024, em comemoração aos cinco anos de carreira, Danzzz lançou “NILO”, o seu disco de estreia, que é um projeto pessoal com diversas fases do artista, transitando do boom-bap sampleado em “MALANDRO” até as guitarras inspiradas na banda britânica Pink Floyd nas composições “O LADO ESCURO DA LUA” e “FRENESI”.

Já em 2025, após um ano de hiato, o músico retornou às plataformas com o lançamento do seu segundo álbum, intitulado “NADA COMO UM DIA APÓS O OUTRO”, que traz versões demos e remixes que mostram a sua versatilidade e evolução na discografia.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

A série de shows, que em uma tradução livre recebe o nome “celebrando a vida através da morte”, passou por praticamente todas as regiões do mundo: Europa, Ásia, América do Norte… mas é no Brasil que os caras decidiram realizar seu gran finale, e pode pôr gran finale nisso, porque será uma apresentação num estádio, o Pacaembu, na região central da capital paulista.

Dos membros originais que estavam lá quando o grupo foi formado pelos irmãos Max e Igor Cavalera, em 1984, somente o baixista, Paulo Xisto, permanece. O segundo com mais tempo de banda é o guitarrista Andreas Kisser, que entrou em 1987. Completam o quarteto os gringos Greyson Nekrutman, na bateria, e o vocalista Derrick Green.

Com o anúncio, surgiram também as especulações sobre possíveis participações. Se você é fã, nada te impede de sonhar, apesar de que é bem improvável que Max ou Igor aceitem subir ao palco uma última vez com o Sepultura. Um pouco “menos improvável”, digamos assim, pode ser a presença do ex-baterista, Eloy Casagrande, que deixou a banda para assumir as baquetas do Slipknot.

Maior sucesso comercial do Sepultura, o disco “Roots” completou 30 anos em fevereiro de 2026 e suas canções devem ser presença garantida no repertório final, além de outros clássicos vindos de álbuns como “Arise”, “Chaos A.D” e o EP mais recente, “The Cloud of Unknowing”, o trabalho de estúdio final dos caras. Se você quer conferir os ingressos, eles estão disponíveis através da plataforma digital Ticketmasters e os valores variam entre R$300 e R$1100.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

“Ubá”, inicialmente, nasceu como um EP, em 2021. Anos depois, o trabalho deixou de representar o que seria uma nova fase da dupla naquele momento para representar toda a sua história, como eles contam, trazendo faixas que apresentam tanto o ânimo e a curiosidade do início quanto à maturidade e experiência adquiridas durante a carreira, que já conta com cinco discos de estúdio, um ao vivo e três EPs.

Hoje em outras cidades – Pedro na metrópole baiana, Salvador, e Gabriel em Belo Horizonte, capital mineira – os meninos seguem se dedicando em documentar suas memórias e vivências em Vitória da Conquista, local onde tudo começou, em 2019. Além das músicas em áudio, disponíveis via streaming, a dupla também liberou no Youtube um filme com imagens que registram o caminho até a sua cidade natal.

“Os bois no mato perto de casa sempre estiveram ali. As voltas de bicicleta pelo mesmo caminho sempre nos levam para novas direções daquele horizonte. A cidade deixa de ser o que é, mas o que inventamos. Nos parece que lugares são assim”, comenta o duo.

Créditos, faixas e ficha técnica de “Ubá”

Áudio:

Todas as composições, arranjos e letras por Pedro Antunes Candioco e Gabriel Tupy;

Produção, mixagem e masterização por Candioco;

Gravado nas casas de Gabriel Tupy e Candioco, localizadas em Vitória da Conquista, Salvador e Belo Horizonte, entre 2019 e 2024, nos primeiros seis anos da cajupitanga;

Filme:

Foto de capa por Candioco, tirada em 2021, em Vitória da Conquista;

Registros por Candioco em viagem de retorno para Vitória da Conquista;

Edição, montagem e tratamento de imagem por Ramon Gonçalves.

Faixas:

1. Lida

2. Quermesse

3. As coberta

4. Não deve ser difícil não

5. Rio de Contas

6. Payaso que mira

7. Encarei Bobo

8. Sobrado

9. Arruada

10. Palavras de Vento

11. O Não

12. Sete Bicos

13. Cordillera

14. Enterro

15. Bailarim

16. Coração

17. Sierra de Cerca

18. Se a madrugada

Sobre a cajupitanga

Com afinidades musicais e companheirismo já construído por projetos anteriores, a dupla Pedro Antunes e Gabriel Tupy se juntou em 2019 para consolidar composições e ideias que surgiam de ensaios despretensiosos e encontros culturais pela cidade. Determinada pelo violão de trova do interior, somado a ritmos brasileiros e ao experimentalismo eletrônico, a cajupitanga é calcada na produção caseira e na liberdade criativa.

Improvisos, rascunhos, takes únicos e o uso do celular como gravador se somam à manipulação de samples e construções digitais da música para articulação de composições que vão da música ambiente e glitchs de computador ao cancioneiro sertanejo baiano e ritmos tradicionais brasileiros. Guiada pela Memória e Espaço, a cajupitanga faz da pesquisa sonora um processo criativo de fragmentar sua própria história e sobrepor seus diversos caminhos estéticos.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Gosta do projeto e gostaria de contribuir financeiramente para manter na ativa? Envie um pix, do valor que desejar, através deste link. Sua ajuda é muito bem-vinda e pode fazer com que a O Que Toca na Vitrola siga publicando sobre música.

Algumas (muitas) coisas mudaram ao longo dos seis meses que separaram as duas entrevistas. A primeira delas é que eu saí da empresa de comunicação por onde publiquei o papo com o Plácido, mas também expandi meu nome e trabalho para sites especializados à nível nacional, como o Scream&Yell, que, posteriormente, trouxe de volta a entrevista com uma versão atualizada.

O texto você lerá a seguir é uma transcrição da entrevista realizada originalmente em áudio na rádio, quando falamos justamente de tudo o que cercou minha carreira nesse processo de mudança do jornalismo de notícias diárias para o jornalismo especializado em música e cultura, além de algumas histórias extras da minha vida que nunca contei muito por aí.

Este material também está disponível em áudio na maioria das plataformas de áudio, como o Spotify e o Youtube, em formato de podcast com uma reprise na íntegra da conversa. Nesta versão, formatada para texto, me permiti corrigir alguns vícios de linguagem e a ordem de frases nas respostas, mas sem alterar o contexto original do conteúdo, com o propósito de melhorar a fluidez do diálogo.

Boa leitura! :)

Plácido: Você me disse que não é de Vitória da Conquista, né? Então, de onde você veio e de onde veio essa paixão por música e jornalismo?

Danilo Souza: Eu venho lá da Chapada Diamantina, uma região do interior da Bahia, especificamente de uma cidade chamada Barra da Estiva, uma cidade bem pequenininha, tem só uns trinta mil habitantes, então quando eu cheguei em Vitória da Conquista foi um choque muito grande, já que era praticamente dez vezes mais habitantes do que lá.

Mas essa coisa da música na minha vida começou de fato com a conexão com meu pai, eu aprendi a tocar violão com ele ainda muito novo [aos 12 anos] e já estava ali escutando música a partir dos discos que ele tinha e tal, acompanhando a discografia dele. Foi daí que surgiu essa paixão pela música.

Quando eu aprendi a tocar violão, isso se intensificou ainda mais, sabe? Tem toda aquela coisa quando você é garoto, de querer ser um jogador de futebol, mas quando aprendi a tocar violão, já decidi que era aquilo que eu queria mesmo.

Depois de um tempo, comecei a produzir músicas pela internet e aprendendo por conta própria mesmo, fui pesquisando no YouTube como fazia e me dedicando para fazer. Desde 2019 eu mantenho meu projeto de músicas instrumentais, o Danzzz, que fez seis anos agora em 2025, e é onde basicamente trago as coisas que eu não consigo falar como Danilo, digamos assim, então transformo em música.

Plácido: Vamos delimitar as gerações… eu sou de uma geração bem anterior à sua, da década de 80, e você falou sobre a época que você era bem garoto. Desculpa a pergunta, mas qual a sua idade atualmente? Porque você é bem jovem…

Danilo: Eu tenho 22, sou de 2003. Cara, eu tô ali entre os jovens, mas ao mesmo tempo peguei CD, cheguei a pegar a fita cassete também [já no final, novamente pelo acervo do meu pai], então meio que vivi essa transição do analógico para o digital. É legal, porque houve uma conexão com a obra física, de colocar o CD no reprodutor ali, escutar as musicas, ver o encarte e tal, coisa que, hoje em dia, no Spotify, meio que não tem muito isso, né? Você só dá um play e pronto. Então, foi legal ter essa experiência de ter contato com a obra física.

Plácido: Qual o tipo de música que você escutava com seu pai? Todo mundo começa na música tentando repetir o que ouve em casa…

Danilo: A discografia do meu pai tinha muito de rock, nos sentidos e sub gêneros mais variados. Tive contato com Nirvana, com o disco “Nevermind”, e alguns dos Black Sabbath quando eu tinha uns cinco ou seis anos. Estava tendo contato com o Heavy metal e com grunge ali ao mesmo tempo… mas, curiosamente, a primeira música que eu aprendi a tocar não tem nada a ver com isso, porque era um nível muito alto para mim (risos), comecei tocando acho que Jota Quest, Barão Vermelho, essas coisas assim de rock brasileiro também.

O lado materno da minha família é cheio de arrocha e forró, enquanto que o lado do meu pai escutava rock pesado, isso foi tipo se mesclando e abriu esse leque, que é uma coisa boa pro meu trabalho hoje não ter “dureza”, digamos assim, com estilos específicos. O que tiver para fazer eu vou escutar e se gostar eu vou escrever, sabe?

Escutava muito rock, hard rock, heavy metal, mas na hora de aprender a tocar mesmo, fui essa parte de um rock mais mais leve, digamos assim, pra ser mais fácil mesmo. Foi legal, porque, por exemplo, meu pai é de uma geração que para aprender a tocar música ou você aprendia de ouvido ou ia numa banca de revista, comprava a revista e tentava tirar pelo papel, enquanto eu já venho dessa geração da internet, então isso facilitou bastante para aprender a tocar. Eu escutava uma música e se gostasse dela era só pesquisar e tinha a cifra disponível ali na internet.

Plácido: O que fez você escolher pela carreira jornalística? Como era a sua relação com jornalismo lá na sua cidade? Como você falou, a cidade é bem pequena, relativamente distante da capital, da, da euforia e das multidões… Como foi pra você?

Danilo: Na minha cidade, por ser pequena, tinha muito o lance da rádio ser muito forte também. Então eu cresci com essa coisa da rádio, me lembro o nome da emissora e a frequência até hoje de tão marcante foi na minha vida [a emissora em questão é a Rádio Líder 103.5 FM, sediada em Ituaçu, cidade vizinha de Barra da Estiva], mas eu nunca pensei de fato, quando era mais jovem, em me tornar um jornalista, sabe?

Começou com essa coisa da música primeiro e aí, dentro da música, quando comecei a aprender a produzir, também fui aprendendo a editar áudio, então, pensei que como queria seguir na música o jornalismo poderia ser uma boa nesse sentido. Esse foi o principal motivo que me levou a querer fazer o vestibular de Jornalismo. Tipo, estava pensando em áudio, especificamente.

Aí quando eu entro na faculdade, tem aquela primeira parte do semestre que é muita teoria, muito texto, filosofia das disciplinas e tal, né? Nisso fui me descobrindo no texto também, principalmente na disciplina de Gêneros Jornalísticos, em que eu tinha que escrever umas coisas maiores e fui percebendo que gostava daquilo também. Como a música era o tema central da minha vida desde sempre, pensei em ir escrevendo sobre álbuns que eu gostava, por exemplo, de uma forma que achava que ninguém tinha feito antes, não no sentido de “quero ser o pioneiro”, mas tipo, já que sei que outras pessoas já falaram desse disco, eu quero falar dele da minha forma para que as pessoas leiam aquele texto e saibam que tem meio que a minha assinatura.

Plácido: No jornalismo e na historiografia musical se fala muito sobre a questão dos jabás e etc, e ao mesmo tempo, na questão da música independente, a gente sabe que jabá é uma possibilidade impossível pra quem é do cenário. Então aí é o talento e o timing de encontrar a oportunidade e aproveitar. As suas matérias sobre música e os eventos musicais são publicadas em veículos importantes, canais em que o pessoal que é mais ligado na questão da música já conhece bem. Como você conseguiu alcançar isso?

Danilo: Cara, para chegar nesses canais, primeiro eu tenho que chegar na Mega Rádio, porque foi onde eu comecei toda essa coisa de escrever profissionalmente, digamos assim, de estar escrevendo e publicando por um veículo. E foi lá que eu comecei a escrever tanto sobre coisas que eu já escutava e gostava, à nível nacional, quanto coisas da cidade, que eu estava meio que descobrindo e me inserindo naquele contexto local, fui acumulando esse material e quando eu parava para analisar, percebia que tinha muita coisa.

Cheguei nesses sites maiores assim; meio que eu não fui convidado, foi só cara e coragem mesmo. Eu sabia que eles existiam porque já acompanhava e tal, então o que fiz foi literalmente ir na aba de contato deles, pegar o e-mail e mandar material. Aconteceu que esses portais me retornaram, curtiram a ideia de eu ser um colaborador por lá e a partir daí as coisas começaram a acontecer com mais frequência.

Coloquei a cara à tapa, busquei a oportunidade, a galera curtiu e começou a mandar trabalho de volta pra mim, sabe? Eles têm uma demanda muito grande, então, por exemplo, um artista de Minas Gerais lança um disco, aí eu recebo isso no email, entrevisto esse artista e mando, hoje tô meio que nesse ciclo e é até engraçado pensar nisso, porque eu nem terminei a faculdade ainda mas já tenho um e-mail profissional que chega pauta todo dia e posso “escolher”, digamos assim, o que quero fazer ou com quem quero falar.

Plácido: Quando a gente fala sobre esse tipo de coisa, a pessoa fala “ah, mas eu não escrevo bem”, como se fosse uma dificuldade definitiva que não pode ser contornada. Se eu não sei escrever, então já era, não tenho chance. Quando, na verdade, a gente aprende a escrever escrevendo e lendo, né? Então é uma questão de iniciativa própria, né?

Danilo: Inclusive, isso da leitura é essencial, porque eu estou inserido numa geração de Instagram, TikTok e tal, e tento ir meio que na contramão. Tipo, sou um cara de 22 anos e estou fazendo entrevista de, sei lá, sete ou oito páginas e sei que nem todo mundo vai parar pra ler, mas percebo que meu público, que me acompanha de fato, gosta de leituras longas mesmo, gosta de parar pra ler o que está ali, sabe? E eu gosto disso no meu trabalho, porque não quero estar fazendo vários vídeos curtos de um minuto pro Instagram pra ser visto todos os dias, mas depois a pessoa vai rolando a tela e se esquece do que eu falei, gosto de fazer um trabalho maior para que o leitor realmente pare, tire, uns dez minutos do dia dele, leia e interprete aquilo, sabe?

Apesar de ser jovem, não sou muito conectado com essa parte mais digital do jornalismo. Com a leitura, também muda a forma de ver seu texto, porque, por exemplo, hoje como eu estou nesses veículos e não publico o “texto original”, eu mando um texto e a publicação é praticamente outro texto de tanta alteração que tem. Mas não vejo isso como uma coisa ruim, de ficar pensando “ah, meu texto tá ruim”, é só uma outra forma de ver o mesmo texto que escrevi, é um outro caminho e a partir dele vou agregando mais possibilidades pra minha forma de escrever e de me interpretar com a galera.

Plácido: Agora, uma pergunta de um historiador para um jornalista: você tem se preocupado em preservar o seu material, vamos dizer assim, do “esquecimento”?

Danilo: Eu tenho todos os meus arquivos, tanto num acervo pessoal, digamos assim, de ter, sei lá, uma pasta do Google Docs que tá tudo lá, e também tenho um acervo público mesmo, que é um link digital que leva todas as minhas publicações separadas por por site.

Eu gosto dessa coisa de ter tanto esse acervo público pras pessoas terem acesso diretamente e poderem ler tudo o que eu tô fazendo e também ter essa possibilidade de não ler só o que eu estou trazendo naquele dia específico, mas ver tudo que está publicado e que faz mais sentido pra elas.

E também para mim, pessoalmente, porque de certa forma é uma conquista pessoal tudo isso que estou fazendo. Hoje falo com bandas que escutei quando eu era adolescente e às vezes parece que a ficha não cai pra mim. É uma coisa que vou olhar no futuro e vou perceber “poxa, fiz isso tão jovem, como é que eu consegui, cara? Que maluco!”.

Plácido: Tem dois aspectos aí de você se preocupar em preservar a sua própria obra; em primeiro lugar, você vai ter o seu portfólio para seguir adiante na carreira, e em segundo lugar, você vai colaborar com os pesquisadores da música do lugar que você estuda. Tudo se perde. Às vezes um site sai do ar e aquele material acabou, porque se o site sai do ar e o autor não tem guardado no computador, aquilo ali sumiu e infelizmente o trabalho que ele teve para produzir aquilo ali foi à toa.

Danilo: Às vezes eu quero escrever sobre tal artista, mas não tem material sobre ele. É uma tecla que você bate bastante, e isso acontece comigo também. Tipo, gostei do som do cara, mas quando vou buscar algo sobre ele, não tem nada, nem o nome da cidade, nome dos integrantes, então… como é que eu vou escrever se ele mesmo não disponibiliza uma informação básica sobre o seu projeto, sabe? Então fica esse conselho também. Não precisa ser algo tão profissional de começo, coloca o nome dos integrantes, de onde vocês são, quando a banda surgiu, sei lá, uma coisa que consiga fazer com que a gente tenha uma base…

Plácido: Você também trabalha com parcerias? Por exemplo, de pessoas que queiram trabalhar junto com você?

Danilo: Sim. Jornalistas ou estudantes de jornalismo que queiram colaborar nisso de estar documentando a cena local e também artistas que queiram enviar o seu trabalho, estou disposto a receber sempre o material lá no email:danilosouza.jornalismo@gmail.com.

Para as pessoas que queiram colaborar comigo no sentido de escrever, é só mandar o que você tem. Faça como eu fiz no começo, comece escrevendo sobre discos que você gosta, alguma coisa que você acha que você tem domínio e preparo para escrever, e também tem isso que falei antes de não ter tanto ego com com o seu texto assim, porque ele vai chegar de um jeito e vai sair de outro. Aceito sim as colaborações e é isso, vamos mandar esse material pra mídia e fazer o possível para levar Vitória da Conquista o mais longe possível.

Plácido: Danilo é um cara que tem idade para ser meu filho (risos), e está se destacando no cenário independente de Vitória da Conquista, fazendo cobertura de eventos, de lançamentos de artistas e conversando com vários outros artistas também do cenário nacional. E é isso, se você tem vontade de fazer algo, a lição que fica é essa, tome iniciativa e corra atrás. “Eu não sei fazer”, então tente descobrir, as plataformas de pesquisa e até de inteligência artificial estão aí pra ajudar a gente a descobrir certas coisas com muita facilidade. Quero ver mais pessoas como você, não só na área de jornalismo, tomando iniciativas assim em várias áreas do conhecimento.

Danilo: Foi um prazer falar sobre a minha história e ver que o que eu estou fazendo está gerando impacto de alguma forma. Nunca quis ser o personagem principal disso. Eu quero ser só essa ponte para levar os artistas para mais longe.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Nesta lista, você lerá sobre as dez canções mais escutadas de Raul Seixas no Spotify, numa atualização feita em 14 de maio de 2026. No dia desta pesquisa, Raulzito possuía cerca de 3 milhões de ouvintes mensais, além de ser seguido por 2,7 milhões de pessoas na plataforma, mostrando o quanto segue relevante mesmo depois de quase 30 anos da sua morte.

10. O Dia Em Que A Terra Parou (1977) – 20,3 milhões de streams

Faixa-título do sétimo disco solo de Raul, “O Dia Em Que A Terra Parou” é uma canção que retrata um cenário utópico em que todas as pessoas da sociedade decidiram parar as suas atividades ao mesmo tempo. Composta com Cláudio Roberto, seu grande parceiro, não só nesse disco, mas na década de 80 inteira, a música foi um sucesso no meio de uma fase movimentada do cantor baiano, marcada por um “fracasso” com o álbum “Novo Aeon”, a volta por cima com “Há Dez Mil Anos Atrás” e a troca de gravadora, deixando a Phillips para ser contratado pela Warner.

9. Meu Amigo Pedro (1976) – 30,6 milhões de streams

Presente no álbum “Há Dez Mil Anos Atrás”, a canção “Meu Amigo Pedro” é mais uma da famosa parceria entre Raul Seixas e o escritor Paulo Coelho. A letra apresenta uma certa dualidade entre dois personagens; um que leva a vida de um jeito mais tradicional, com o seu trabalho e todas as coisas de um caminho considerado exemplar, sendo um careta, enquanto o outro é mais despojado e até meio “vagabundo” com o que faz. A inspiração para a história tem duas versões: há quem diga que Paulo estava pensando no seu pai, que se chama Pedro, enquanto Raul pensava em seu irmão, Plínio.

8. Medo da Chuva (1974) – 41,9 milhões de streams

Canção que faz parte do “Gita”, o disco mais vendido de Raul Seixas, “Medo da Chuva” é uma crítica às amarrações emocionais, como os relacionamentos, neste contexto. Numa indireta à monogamia, digamos assim, Paulo e Raul tratam a chuva como a mudança, o desejo pelo novo e a vontade de passar por uma renovação, buscando a liberdade para tentar outras alternativas.

7. Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás (1976) – 42,3 milhões de streams

Inspirada (leia-se: praticamente copiada, conhecendo o histórico de Raul, risos) na canção americana “I Was Born About 10,000 Years Ago”, o hit “Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás”, última faixa do disco de mesmo nome, é uma metáfora sobre a imortalidade da alma e a sabedoria acumulada. Na letra, o eu lírico assume a posição de um sábio que presenciou eventos de diversas eras da humanidade, como a crucificação de Jesus Cristo, a abertura do Mar Vermelho e as barbaridades da Alemanha Nazista, já no século XX.

6. Ouro de Tolo (1973) – 59,1 milhões de streams

Single do disco “Krig-ha, Bandolo”, o primeiro da carreira solo do cantor baiano, “Ouro de Tolo” é uma crítica ao que se considera como o sucesso na vida. Na letra, escrita somente por Raul, o personagem da história se lamenta por mesmo após ter conseguido tudo o que sempre almejou, como a casa própria, um carro, o dinheiro e o trabalho dos sonhos, ainda existe a sensação de que falta algo. Como conta o filósofo alemão Arthur Schopenhauer, é a ânsia de ter e o tédio de possuir…

4. Gita (1974) – 78,2 milhões de streams

Uma das melhores letras da dupla Raul/Paulo, “Gita”, presente no disco homônimo, que saiu em 1974, é inspirada no livro sagrado hindu Bhagavad Gita e conta a história em que o eu lírico assume a voz do Krishna, um ser supremo, se aprofundando no despertar da consciência e a presença de um próprio Deus em cada uma das pessoas. O refrão, marcado pela repetição da frase “eu sou” no início dos versos, reforça essa ideia de que o que tanto procuramos, na verdade, pode estar internalizado em nós.

3. Maluco Beleza (1977) – 87,4 milhões de streams

Apesar de muitas vezes ser chamado popularmente de Maluco Beleza, o apelido e a história dessa canção não são sobre Raul, mas sim sobre o seu parceiro de composição, Cláudio Roberto. Em resumo, a letra traz a opção de decidir viver com autenticidade e lucidez, considerando a loucura não como uma “doença” e sim como uma forma de existência e de resistência em um mundo cheio de padrões e regras.

2. Tente Outra Vez (1975) – 99,8 milhões de streams

Composta originalmente por Raul Seixas e o “mago” Marcelo Motta, e depois com uns toques de Paulo Coelho na letra, que mudou o tom meio individualista para uma coisa mais coletiva e religiosa – na primeira versão, o refrão era: “Tenha fé em você, tenha fé na vida, tente outra vez”, e com Paulo virou “tenha fé em Deus, tenha fé na vida, tente outra vez” –, “Tente Outra Vez” é uma das maiores canções da música brasileira e é um hino de esperança para os momentos difíceis.

Um dia, um homem havia optado por tirar a própria vida e já estava decidido. Para abafar o barulho do disparo da arma, ligou o rádio no volume máximo, e no momento estava tocando “Tente Outra Vez” na programação. Ao ouvir a canção e entender a letra, o cara desistiu da ideia e seguiu vivendo. Essa história ficou tão famosa que parou até na biografia oficial de Raul Seixas, “Não Diga Que a Canção Está Perdida”, escrita por Jotabê Medeiros.

1 – Metamorfose Ambulante (1973) – 148,3 milhões de streams

A canção mais famosa de Raul, “Metamorfose Ambulante” foi um hit já na estreia do cantor em sua carreira solo, com o “Krig-ha, Bandolo”, em 1973. A faixa, apesar disso, foi composta muito tempo antes, ainda na adolescência de Raulzito, que conheceu o livro “A Metamorfose”, de Franz Kafka, na biblioteca pessoal do seu pai. A letra, claro, aborda a liberdade de mudar de ideias, pensamentos e opiniões, assumindo e aceitando que o ser humano está em constante evolução e nunca será o mesmo por muito tempo.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Mas, claro, o grupo de Santos também está presente entre os favoritos na coleção de discos de Velto. Ele escolheu citar somente um álbum do Charlie Brown Jr., o “Preço Curto… Prazo Longo”, de 1999. “Sinceramente, não sei qual Velto eu seria se esse disco não existisse... mas com certeza seria um cara bem diferente. Minha música favorita é ‘O Preço’, talvez ela tenha acendido o fogo de querer estar nos palcos e lutar por isso”, assume.

Um disco que mudou não só a sua vida pessoal mas também a artística é uma obra-prima do Red Hot Chilli Peppers, que se tornou um ponto de partida para o modo como a Outra Conduta compõe suas canções autorais hoje em dia.

“Gosto de como o instrumental soa neste disco, cada instrumento tem seu protagonismo. Esse é um conceito que a Outra Conduta também segue na hora de compor, e o Red Hot Chilli Peppers é, sem dúvida, uma das grandes influências da banda.”

Veja a seguir a lista dos cinco discos favoritos de Velto Oliveira.

Charlie Brown Jr. – Preço Curto… Prazo Longo (1999)

O segundo disco do CBJR, “Preço Curto… Prazo Longo” chegou ao público em 1997, dois anos depois do “Transpiração Contínua Prolongada”, quando os caras do Charlie Brown invadiram a cidade e as rádios. É um álbum que dispensa apresentações. Basta ver quais foram os singles do disco: “Zóio de Lula”, “Te Levar Daqui”, “Confisco” e “Não Deixe o Mar Te Engolir”.

“Eu poderia citar vários álbuns do CBJR aqui, mas como são só cinco, não vou deixar o coração de fã falar mais alto. Esse foi o álbum que me fez me apaixonar pelo rock nacional e que moldou completamente meu gosto e estilo musical. Hardcore, reggae, hip-hop, ska, tudo isso junto com letras diretas, que retratam o cotidiano das ruas, e riffs marcantes tanto da guitarra quanto do baixo. Sinceramente, não sei qual Velto eu seria se esse disco não existisse... mas com certeza seria um cara bem diferente. Minha música favorita é ‘O Preço’, talvez ela tenha acendido o fogo de querer estar nos palcos e lutar por isso.”

Dead Fish – Zero e Um (2004)

O grande sucesso comercial do Dead Fish, banda de Vitória, no Espírito Santo, o “Zero e Um” é um disco que traz a principal característica do grupo: críticas diretas para provocar o governo e a própria sociedade. Mais de vinte anos depois do lançamento, muitas das faixas deste álbum, como “A Urgência”, “Bem-vindo ao Clube” e “Você”, continuam tocando e são grandes clássicos da cena punk e hardcore do Brasil.

“É louco como as coisas mudam. Eu ouvi esse álbum na adolescência e curti, mas ele não significou tanto na época, por pura imaturidade mesmo. Só lá pelos meus 23 anos, mais consciente, é que ele se tornou grandioso pra mim. ‘Zero e Um’ é uma crítica direta à sociedade, ao autoritarismo, ao governo. Essa é a pegada que se tornou a marca registrada do Dead Fish. Esse álbum mudou minha forma de enxergar o mundo e me fez encarar temas importantes com mais seriedade. Minha faixa favorita é ‘Tão Iguais.’”

Aliados – Amplificado (2008)

Também formada em Santos, em 2000, a banda Aliados tem uma história que conversa com a do Charlie Brown Jr. Thiago Castanho, um dos guitarristas da formação clássica do CBJR, produziu a primeira demo da Aliados e em seguida se juntou ao grupo após sua saída da banda comandada por Chorão. "Amplificado”, o álbum destacado por Velto, foi o quarto da discografia e saiu em 2008.

“Aliados é uma banda pouco conhecida, mas que representa muito pra mim. O álbum ‘Amplificado’ me tirou de uma situação difícil, num período em que eu estava preso nos meus próprios pensamentos. As letras desse álbum parecem uma consulta com um terapeuta ou talvez uma conversa com um grande amigo, trocando ideias e te dando conselhos de como superar as suas frustrações. Minha música favorita é ‘O Medo do Fim.’”

Marcelo D2 – A Procura da Batida Perfeita (2003)

Em 2003, na carreira solo depois de uma pausa nas atividades do Planet Hemp, Marcelo D2 seguia na procura da batida perfeita em seu segundo disco. Apesar de ter sido gravado em Los Angeles, nos Estados Unidos, foi na música brasileira que o D2 parece ter encontrado o segredo: samples e percussões vindo do samba.

O álbum conta com participações mais do que especiais: Stephan – hoje conhecido como Sain – filho de Marcelo, na faixa “Loadeando”, que o tempo todo estava na tela da MTV Brasil, e o rapper will.i.am, do Black Eyed Peas, em “CB (Sangue Bom)”. Para Velto, o destaque é a “Vai Vendo”.

Red Hot Chilli Peppers – Californication (1999)

Publicado no fimzinho da década de 90, “Californication” marcou a volta do guitarrista John Frusciante aos Chilli Peppers e foi um estouro. A banda já havia acertado anteriormente no “Blood Sugar Sex Magik”, último disco gravado com Frusciante antes de sua saída, e depois amargou um fracasso comercial com o “One Hot Minute”, um álbum bem mais ou menos com Dave Navarro na guitarra. O que faltou no One Hot sobrou no Californication. De lá, fizeram sucesso: “Otherside”, “Scar Tissue”, “Around The World” e a própria faixa-título.

“Quando ouvi esse álbum pela primeira vez, fiquei completamente viciado. Ele me fez querer conhecer mais sobre o Red Hot Chili Peppers e consequentemente me tornei fã do som dos caras. Gosto de como o instrumental soa neste disco, cada instrumento tem seu protagonismo. Esse é um conceito que a Outra Conduta também segue na hora de compor, e o Red Hot Chilli Peppers é, sem dúvida, uma das grandes influências da banda. O Californication é um dos principais responsáveis por essa inspiração. ‘Around The World’ é a minha música favorita.”

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Shau Saturno, Cátia Guimma, Danilo Souza, Guilherme Chirinéa, Lucas Lins e Jayvee Viana são os primeiros entrevistados do podcast. Na fase inicial, haverão dois lançamentos por semana, às terças e sextas, até que todo o material arquivado seja publicado. Após esta etapa, novos episódios serão lançados sempre às terças-feiras.

No ar desde outubro de 2025 sob o comando de Plácido, o programa já conta com mais de trinta participações, em entrevistas com, pelo menos, uma hora de duração, incluindo execuções musicais ao vivo.

O programa Tarde Uesb é transmitido ao vivo, de segunda à sexta, a partir das 15h, na grade da UESB FM nas frequências 97,5, em Vitória da Conquista, e 106,1, em Jequié. Também é possível ouvir pela internet, em todo o Brasil, por este link.

Ficha Técnica do Podcast Tarde Uesb Entrevista

Produção, apresentação e publicação: Plácido Oliveira

Coordenação Técnica: Marilton Ribeiro

Apoio Técnico e Operacional: Andrey Oliveira e Alex Lima

Coordenação UESB FM: Jacqueline Silva

Direção-Geral do SURTE: Rubens Sampaio

Suas referências, que vão de Pablo – popularmente conhecido como “Pablo do Arrocha na região norte/nordeste – até o rei do Pop, Michael Jackson, moldaram o seu som e também a sua vida, como ele conta:

Ainda muito jovem, o artista foi descoberto por uma gravadora da cidade, a QG Records, onde atuou como produtor por alguns anos. Lá, além de lançar seus próprios singles, colaborou com outros rappers da cena local.

“Na pandemia eu entrei pra QG, e ali eu conheci [os rappers] WNS, Manel, Tupã, Midas… a gente foi trocando ideia e a ideia bateu. Foi a virada de chave. Consegui trabalhar com mais qualidade, estudar mais, gravar várias pessoas… fui me testando e foi uma doideira!”, relembra o produtor baiano.

Caiik, que já esteve no lugar de ser “descoberto” por outro artista, hoje também ocupa o lugar de descobrir novos talentos. Ele se diz surpreso com a qualidade que os rappers da região têm alcançado em produções feitas pelo celular e assume que até já rolaram convites para levar alguns deles ao estúdio.

Nesta entrevista, CaiiK conversa sobre a sua carreira enquanto produtor musical, suas referências, seu trabalho em gravadoras da cidade [além da QG, onde já encerrou sua passagem, hoje o artista atua no Estúdio Drakkar, um dos mais renomados de Vitória da Conquista] e a sua relação com os artistas que produziu ao longo dos mais de dez anos em atividade na cena.

Danilo Souza entrevista Caiik

Danilo: Uma pergunta meio simples, para começar, mas ninguém melhor do que você mesmo para dizer isso. Quem é CaiiK?

Caiik: Nossa, que pergunta difícil (risos). CaiiK é um artista que está começando de fato agora na cena, porque eu parei por um tempinho e fiquei sem fazer nada. Eu fazia cover quando comecei, mas depois de um tempo fui tentando compor músicas autorais. Antes, eu usava aqueles [beats] “freezinhos” [batidas instrumentais de hip-hop, gratuitas para uso] na internet e tal, depois fui aprendendo a produzir e consegui chegar em um lugar legal.

Danilo: O que te levou a ser um produtor musical? A sua conexão com a música vem desde a infância ou foi algo que surgiu em algum momento de sua vida?

Caiik: Quando eu era mais jovem ainda, com uns cinco ou seis anos, meus pais me mostraram o Michael Jackson. Eles, baianos, curtem Pablo, por exemplo, mas também gostavam muito de músicas internacionais. Quando meu pai me mostrou o Michael Jackson, falei: “por que soa diferente, mano? Por que o som de Pablo não é igual? Caramba, por quê? Eu quero fazer isso aqui! Como é que faz isso aqui?!” Foi a minha infância toda em busca disso.

Depois de um tempo, fui entendendo que são estilos diferentes e de países diferentes. Nos Estados Unidos, essas coisas [se referindo a equipamentos e técnicas melhores] chegavam primeiro. Hoje, é mais fácil fazer porque está tudo dentro do computador, então você consegue fazer e chegar em uma qualidade legal.

Danilo: E sobre as suas influências brasileiras – além do Pablo, que de fato é uma boa referência quando o assunto é alcance vocal, né, risos… Quem foram os artistas que te chamaram a atenção?

Caiik: Caramba, teve a época do Costa Gold [grupo de Rap, formado por Nog e Predella, que foi bastante popular entre o fim da década de 2010 e uma parte da década de 2020, e que hoje está em hiato] que foi muito boa. Tem o Luccas Carlos, que quando vi rimando no rap de uma forma melódica, pensei “nossa, isso aqui é muito bom!”, e que foi a primeira influência brasileira mesmo para o que faço, apesar de que eu não sigo a mesma linha que ele exatamente. Nós fazemos R&B de formas diferentes, eu faço de um jeito mais contemporâneo e consigo misturar o trap ali em cima.

Danilo: Você veio de uma cidade menor, Ibicuí, e já está há alguns anos em Vitória da Conquista. Como essa transição influenciou na sua carreira?

Caiik: Eu me mudei para Vitória da Conquista em 2017 com minha família. Quando cheguei aqui, já sabia mais ou menos como fazer música e tal, só não esperava que ia aprender tanto. Fui conhecendo algumas pessoas pela internet que incentivaram e falaram, “continua, vamos fazer música!” e tal.

Na pandemia, conheci a QG [Records, gravadora independente de Hip-Hop, em atividade até hoje em Vitória da Conquista] e foi a virada de chave. Consegui trabalhar com mais qualidade, estudar mais, gravar várias pessoas… fui me testando e foi uma doideira, porque já sabia que eu queria alguma coisa, então, quando cheguei ali foi muito bom pra mim.

Danilo: Quais aprendizados você absorveu dessas vivências de gravar e produzir outros artistas?

Caiik: Caramba, eu testei bastante. Testar é algo que acho muito importante para o artista, tipo saber gravar outras pessoas, saber qual timbre usar para produzir, entender como que a voz e a mixagem funcionam… eu tive muito aprendizado no sentido de produzir mesmo, tanto que fiquei uns dois anos sem lançar nada meu e fiquei só estudando e produzindo o pessoal da gravadora.

Danilo: Há alguma etapa no processo de produção que você gosta mais?

Caiik: Eu gosto mais da parte de produzir mesmo. Faço a melodia e a harmonia da música com a referência que eu quero – ou então a loucura que vem da minha mente – e coloco lá. Aí, geralmente faço samples, que é uma amostra sonora, coloco em loop e vou produzindo, adicionando mais coisas, como a bateria do beat. Pego o microfone, coloco perto de mim e vou já registrando ali mesmo as ideias de letra, depois passo a limpo certinho e mando pra mixagem e a masterização, tudo feito por mim.

Danilo: E como é o CaiiK fora do estúdio? Consegue separar a vida pessoal da vida de produtor?

CaiiK: Eu sou tímido demais, mano! Teve uma época em que eu ainda estava na QG e lembro que nós íamos abrir o show do Matuê; um segundo antes de subir no palco, estava tipo, “mano, f*deu! meu coração…”, mas quando comecei a cantar, já era, acabou. Ali, vi que tem um “CaiiK artista”, que depois desvincula e volta o “Caíque normal”, sabe?

Danilo: Você costuma dizer que o Supremo MC, um dos artistas mais relevantes da cena Hip-Hop em Vitória da Conquista, “te descobriu”. E agora, enquanto produtor, você também já tem descoberto algum novo talento?

Caiik: O Supremo me viu e a gente começou a trocar ideia, a energia bateu e foi isso [desde 2024, todos os trabalhos do Supremo foram produzidos por CaiiK, na parte instrumental ou técnica, como a mixagem e masterização]. Já troco ideia com a galera, inclusive, tem um maninho que é lá da minha cidade e que é muito bom e faz no celular! Aí eu dou uma atenção, troco ideia com ele e até chamei pra colar no estúdio pra gente fazer alguma coisa.

Danilo: Hoje, você faz parte do Estúdio Drakkar. Mas, ao revisitar sua própria história, você sempre cita a gravadora QG Records com muito carinho. O que esse período por lá significa para a sua carreira?

Caiik: Na QG, conheci [os rappers] WNS, Manel, Tupã, Midas… a gente foi fazendo música junto e foi lá onde aprendi tudo e criei uma certa irmandade com a galera. Conheci vários artistas, que comecei a gravar, e foi lá que comecei a trabalhar com música de fato. Hoje eu não atuo mais na gravadora, porém todo mundo ainda é família e seguimos juntos. Agora eu sou do grupo da Drakkar e cada um foi para um lado, mas todo mundo continua fazendo música.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Sua carreira e currículo são repletos de feitos; o jornalista também já participou da equipe do Programa VAI, projeto de políticas públicas e valorização das iniciativas culturais da Secretaria de Cultura de São Paulo, na gestão da então prefeita Marta Suplicy, além de ter sido o responsável pela comunicação do Projeto Guri, da Escola de Música do Estado de São Paulo (EMESP), do Itaú Cultural e do Museu de Arte Moderna (MAM).

Portanto, é de se esperar um alto nível em meio à sua coleção de discos. E é isso que ele entrega nesta edição do “O Que Cresci Ouvindo”, cheia de nomes brasileiros, além de uma banda clássica do rock inglês, a favorita do jornalista. “[É a banda] que mais ouvi até hoje. Confesso que preciso ouvir todos os dias ao menos uma música do disco. A minha vida mudou completamente após ouvir [...]”, assume Marcus.

Ainda tem espaço pro Thrash Metal, com um álbum que é referência pro estilo no Brasil e no mundo… “Até hoje, eu gosto de ouvir esse disco em um momento de extravasar e de deixar os problemas cotidianos de lado”, conta o assessor de imprensa, e dois clássicos obrigatórios na lista de melhores discos da MPB.

Continue lendo e descubra os cinco discos que Marcus Vinícius cresceu ouvindo.

Milton Nascimento e Lô Borges – Clube da Esquina (1972)

O impressionante disco de estreia do mineiro Lô Borges e o quinto da discografia de Milton Nascimento, o trabalho colaborativo “Clube da Esquina” é respeitado na música nacional e internacional, sendo considerado uma obra-prima e um cartão de apresentação do que é a cultura brasileira e a sua mistura de estilos, como a psicodelia, a música clássica e o rock, por exemplo.

O álbum duplo, lançado em 1972, foi escolhido como o segundo melhor de toda a história do Brasil, atrás apenas de “Acabou Chorare”, dos Novos Baianos, em uma votação feita pela Revista Rolling Stone.

“Esse disco dispensa explicações por estar no topo da minha vida. É a perfeição em forma de arte, por consolidar uma fusão de gêneros sem fronteiras geográficas ou musicais, com uma sofisticação e maturidade impecáveis. Eu acho os arranjos, as melodias, as letras e as vozes incríveis. Esse álbum consegue me emocionar todas as vezes que ouço, sendo importante em várias fases de minha vida, desde a adolescência até o presente momento.”

”Milton Nascimento é o meu herói, e a partida de Lô Borges me proporcionou um luto tremendo, como se eu tivesse perdido um amigo próximo, tal qual a minha conexão com a sua obra. A única injustiça desse disco, que não tem nada a ver com o disco em si, foi não ter recompensado, de alguma forma, os ‘protagonistas invisíveis’ da capa: Cacau e o Tonho. E, ainda por cima, tinha gente que achava que os dois meninos, registrados por Cafi, eram Milton e Lô crianças. Uma loucura tudo isso.”

Pink Floyd – The Dark Side of The Moon (1973)

Oitavo disco de estúdio do Pink Floyd, além de ser o primeiro de uma sequência com quatro álbuns criados a partir de uma história que une todas as músicas do início ao fim, o “The Dark Side of The Moon” teve grande influência da saída de Syd Barrett, um dos membros fundadores do grupo, que foi despedido por conta das suas condições mentais afetadas pelo uso excessivo de drogas.

Uma das formas de interpretar este disco é imaginar que o lado escuro da Lua seria como o momento em que o indivíduo está em sua própria realidade paralela, isolado em uma parte inexplorada de seus pensamentos e próximo da alucinação. Outros temas, como a ganância, presente em “Money” e a maneira como lidamos com o tempo, na faixa “Time”, são algumas reflexões que indiretamente levam ao mesmo caminho: a loucura.

“O Pink Floyd é a minha banda preferida, talvez a que mais ouvi até hoje. Confesso que preciso ouvir todos os dias ao menos uma música do disco. Eu sou aquele fã que admira tudo que a banda fez, mas o ‘The Dark Side of the Moon’ tem tudo o que somos, sentimos, vivemos e o podemos nos tornar após deixar esse plano.

Tudo isso minuciosamente explicado dentro dos 42 minutos das dez faixas do disco, não apenas pela alma melódica e solos épicos de David Gilmour ou o cérebro conceitual e lírio de Roger Waters, tampouco o ponto de equilíbrio de Nick Mason ou a atmosfera espacial e progressiva do saudoso Richard Wright.”

Sepultura – Roots (1996)

A maior banda de Rock vindo do Brasil, o Sepultura mudou o jogo no heavy metal mundial em 1996 com o disco “Roots”. O álbum se tornou uma referência de timbres, sonoridade e mixagem para muitas bandas que vieram depois. David Grohl, baterista do Nirvana e frontman do Foo Fighters, chegou a assumir que o trabalho é o mais bem gravado da história do metal. “Aquele disco virou a referência para cada álbum que o Foo Fighters fez por dez anos.”

Apesar do título e das letras em inglês, de fato, na sonoridade, estão as raízes brasileiras. Os riffs pesados de guitarra se fazem presentes, mas também se mesclam com cânticos da cultura indígena, por exemplo, chegando num resultado que nenhum gringo será capaz de fazer igual.

“Além de ser um disco magnífico da primeira à última música, misturando o peso do thrash metal com a cultura brasileira e uma ‘percussão tribal’ absurda, essa escolha tem muito a ver com a minha ligação com a prática de música. Eu comecei a tocar instrumentos musicais desde bem pequeno, passando por cavaquinho, tan tan, violão e guitarra, mas foi na bateria que eu me encontrei e ‘me senti músico’”.

“As batidas pesadas de Igor Cavalera, com elementos tribais, fizeram eu me apaixonar pelo instrumento e me dedicar a aprender a tocar heavy metal, sendo influenciado posteriormente por outro batera, o Aquiles Priester. Mas, a partir das músicas do Roots, como ‘Ratamahatta’ e ‘Breed Apart’, eu passei a admirar esse conceito de fazer rock pesado à moda brasileira. Até hoje, eu gosto de ouvir esse disco em um momento de extravasar e de deixar os problemas cotidianos de lado.”

Angra – Holy Land (1996)

Segundo álbum dos brasileiros do Angra, o “Holy Land” é um disco conceitual que conta uma história ambientada no Brasil na época da sua descoberta, no século XVI, a partir de uma perspectiva dos portugueses. Na sonoridade, ironicamente, é um trabalho que tem menos a cara europeia – a estreia da banda, “Angels Cry”, foi produzida pelo alemão Charlie Bauerfeind, o que influenciou no som e tirou um pouco da “brasilidade”, de certa forma.

“Esse disco é um dos meus preferidos por unir um conceito ousado de misturar o metal com ritmos brasileiros de forma única, assim como me cativou o ‘Roots’, do Sepultura. Além disso, o Angra foi a banda que mais me influenciou na adolescência; me levou a montar banda, estudar bateria com mais dedicação e subir aos palcos. Mesmo com minhas ressalvas ao Ricardo Confessori, reconheço, como baterista, a força marcante da introdução de ‘Nothing to Say’”.

Bônus: Sabia que o Marcus já entrevistou o André Matos? Esse papo foi gravado e disponibilizado no Youtube. Clique aqui e veja.

Chico Buarque – Chico Buarque (1978)

Disco repleto de sucessos, o álbum homônimo de Chico Buarque, lançado em 1978, trouxe grandes canções de protesto e sofreu em meio à Ditadura Militar. Uma das melhores músicas do disco e da carreira do artista, “Cálice”, em parceria com Milton Nascimento, foi censurada cinco anos antes, em 1973, e só viu a luz do dia quase no fim da década de 70.

“Esse disco é um dos mais importantes da música brasileira, não apenas pelas lendárias canções gravadas e censuradas na época da ditadura militar, como ‘Cálice’ e ‘Apesar de Você’, mas pela ousadia e maestria de protestar em forma de arte em uma das épocas mais violentas e tristes de nossa história.”

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

“Dizer que houve um momento específico em que minha relação com a música começou é muito difícil, quase impossível. Creio que essa relação começou a ser nutrida pelo meu cordão umbilical, quando eu estava no ventre da minha mãe […] através dela, eu descobri o maravilhoso universo do Kboing, onde eu fiz descobertas por conta própria e aprendi muito do que sei sobre inglês sozinha, lendo as letras das minhas músicas favoritas”, conta Duda.

A jornalista conta que desde a infância seu gosto musical foi muito eclético, o que se comprova nesta lista, que vai de Led Zeppelin, ícones do rock, até Nação Zumbi e o manguebeat, estilo característico de Recife, no nordeste brasileiro. Alguns gêneros não aparecem entre os cinco discos escolhidos, mas foram revisitados na memória de Duda ao pensar o seu ranking.

“Fui uma criança das divas pops, mas já fui de tudo. Funk, k-pop, reggaeton, indie, rock, mpb, forró, e assim sigo até hoje. Talvez até mais. Ter uma relação tão duradoura com a música não me tornou apenas uma pessoa eclética, mas mesmo antropofágica com o que escuto. Devoro discografias, tenho sede de sonoridades novas, fico satisfeita quando paro para saber mais sobre os processos de cada disco que ouço”, assume.

Entre os escolhidos, ainda tem espaço para a psicodelia do Pink Floyd, a MPB de Gal Costa e até uma indicação de tempos recentes com os baianos da Tangolo Mangos, mostrando que Duda está de olho e conectada com o que está acontecendo na cena da Bahia. “Tem uma identidade muito forte, que mesmo com referências claras, é inovador em meio a tantas produções que são mais do mesmo.”

Continue lendo e descubra quais são os cinco discos que Duda Araújo cresceu ouvindo.

Led Zeppelin – Led Zeppelin I (1969)

No fim da década de 60, enquanto os Beatles começavam a se despedir, surgia o primeiro álbum dos também britânicos do Led Zeppelin, que redefiniram o rock nos anos 70. Autointitulado, e também muitas vezes chamado de “Led Zeppelin I”, o disco trouxe um som mais pesado, algo mais próximo do hard rock e até do heavy metal, além de apresentar um ótimo cartão de estreia; a faixa “Babe, I’m Gonna Leave You”.

“A minha história com o Led é engraçada. Começou com um ódio descomunal. Eu odiava Led Zeppelin, mesmo. Parei para ouvir uma vez, em 2020, de tanto ver uma amiga falando sobre, e achei que aquela tinha sido uma das piores experiências auditivas que tive na vida. Dois anos se passaram e, em um dia qualquer, o Spotify me surpreende com um rock meio folk, com uma atmosfera sombria e misteriosa, ao mesmo tempo melancólica e doída.

Era ‘Babe I’m Gonna Leave You’, faixa de abertura do primeiro álbum da banda, versão da música original de Anne Bredon e popularizada por Joan Baez nos anos 60. Na época, minha mente já estava bem mais aberta e receptiva com outras sonoridades, meu repertório já era um pouco mais extenso. Parei para ouvir todo o álbum e logo me peguei pesquisando gravações ao vivo da banda, fascinada e completamente imersa no que eu estava descobrindo.”

“Embora o ‘Led Zeppelin IV’ seja considerado a obra prima da banda (e com razão), o primeiro álbum é, para mim, uma síntese perfeita do Zeppelin. As roupagens que eles dão, as técnicas e experimentações feitas são elementos que fazem parte do que consolida o quarteto como uma das maiores bandas da história.

Foi a introdução ideal para o que deixava de ser o ‘New Yardbirds’ e passava a ser o Led Zeppelin. Com a mente genial e visionária de Jimmy Page, os vocais únicos e potentes de Robert Plant, a força e a essência da bateria de John Bonham e a presença inconfundível do baixo de John Paul Jones. ‘Sexy, implacável e perigosa’, como a banda é definida por Paul Stanley, do Kiss.”

Pink Floyd – Live At Pompeii (1972)

Em 1972, prestes a fazer história no ano seguinte com o lançamento da obra-prima “The Dark Side Of The Moon”, o Pink Floyd já era fora da curva. A banda uniu as suas composições psicodélicas e longas, a exemplo de “Echoes”, que é uma verdadeira experiência, com um dos locais mais clássicos da humanidade, o Anfiteatro de Pompéia, na Itália, em um show, que foi gravado e posteriormente resultaria em um audiovisual. O curioso é que não havia público, com exceção da equipe de filmagem, o que, de certa forma, apresentou uma estética única. O filme foi relançado nos cinemas em abril de 2025, remasterizado no formato 4K.

“No final de abril completou exatamente um ano que fui assistir a exibição de ‘Pink Floyd live at Pompeii’ remasterizada em 4K no cinema. Entrei na sala sem saber que aquela seria uma das experiências audiovisuais mais impactantes da minha vida. Os primeiros minutos são uma tela vazia, apenas com uma batida de coração como fundo sonoro, e eu sentia como se aquele vazio fosse me engolir. Logo os registros visuais entram em cena, e é uma combinação tocante.

São fragmentos de Pompéia, poças de lama efervescentes, mosaicos espalhados nas ruínas da cidade que se perdeu no fogo, tudo isso acompanhado da energia única do Pink Floyd. Juntos, esses elementos costuram uma narrativa que conta a história do lugar, mas também um capítulo importante na história da banda.”

“O que mais me atravessa nesse registro é que, mesmo com toda a excentricidade conhecida da banda, os membros não tinham pretensão de que isso se tornasse o que se tornou. Eles queriam fazer música, experimentar técnicas, brincar com os sons, e tudo isso se tornou algo que, para mim, é uma experiência quase transcendental. Eu falo de ‘Pink Floyd em Pompéia’ mais do que deveria. Indico para tanta gente… se tornou uma das minhas maiores referências musicais e estreitou meus laços com o Pink Floyd.”

Chico Science e Nação Zumbi – Afrociberdelia (1996)

Segundo disco da bem-sucedida parceria entre Chico Science e a Nação Zumbi, que já havia acertado logo na estreia com o clássico “Da Lama ao Caos” (1994), o álbum “Afrociberdelia” também encerrou de forma precoce a carreira do cantor, que morreu pouco tempo depois, em 1997, num acidente de carro.

Eleito o 18º melhor trabalho de estúdio entre os melhores da música brasileira, pela revista Rolling Stone, e considerado o segundo melhor disco de toda a década de 90, pelo especializado Scream & Yell, o álbum dá seguimento à sonoridade do manguebeat, um estilo muito próprio e característico de Recife, além de consolidar e incluir novos elementos, como a bateria de Pupillo.

“Existem inúmeras palavras que eu poderia usar para descrever o que é o ‘Afrociberdelia’. O disco, que completa 30 anos neste mês de maio, foi um marco do movimento Manguebeat, conduzido por Chico Science e Nação Zumbi, em Pernambuco da década de 90. É o sucessor do álbum ‘Da Lama ao Caos’, de 1995, que primeiro desbravou os manguezais pernambucanos.

O Manguebeat, a batida do mangue, foi responsável por tirar o estado de um período de baixa autoestima e enfatizar o Nordeste no debate cultural do país. Por aqui, foi um marco também. Lançado em 1996, o álbum foi o segundo lançamento da Nação Zumbi, e último com o visionário Chico Science, que partiu precocemente no ano seguinte, mas deixou um legado eterno.”

“‘Afrociberdelia’ é o conjunto de África, cibernética e psicodelia, elementos que combinados com rock, rap, maracatu, coco, baião, e tantos outros ritmos, tornam esse um disco único, com uma roupagem futurista e muito a frente do seu tempo, o que escancara a potência da Nação. É uma ode à liberdade, um grito de autenticidade.”

Gal Costa – Gal Costa (1969)

O disco homônimo de estreia da baiana Gal Costa – que participava do movimento tropicalista e já havia realizado lançamentos coletivos anteriormente, a exemplo de “Tropicalia ou Panis et Circenses”, com Gil, Caetano, Nara Leão, Os Mutantes e Tom Zé, é amplamente considerado como um dos mais essenciais e revolucionários da música brasileira.

Gravado em 1968, mas publicado somente no ano seguinte após “ficar na geladeira” da gravadora Philips, que queria dar uma acalmada nos ânimos depois da prisão de Gil e Caetano em meio à ditadura, o álbum apresenta uma Gal mais moderna, apesar de ainda existir uma ou outra influência de Bossa Nova.

“É o primeiro álbum solo da Gal, que chegou ao mundo e se tornou um dos mais importantes da tropicália, além de ser um respiro para os meus ouvidos. É um álbum mais ‘clean’ da artista e antecede o segundo disco, ‘Gal’, lançado no mesmo ano, que é muito mais frenético e rock ‘n’ roll. Mas o primeiro, o ‘disco das plumas’, é de uma delicadeza, uma fluidez, uma energia única.

Tem uma sonoridade que parece ter vindo de outro mundo, como em ‘Não Identificado’, uma verdadeira viagem ao espaço sideral. Com direção musical de Rogério Duprat, guitarras de Lanny Gordin, toques de Gil e Caetano, a interpretação de Gal é a cereja do bolo.”

“O álbum passeia entre a psicodelia e a bossa, com letras que falam sobre nostalgia, saudosismo, liberdade, recomeços, amores, margarinas, carolinas e tantas outras temáticas precisamos saber, pois marcaram o início da tropicália no Brasil e revelaram Gal como uma das maiores artistas do país.”

Tangolo Mangos – Garatujas (2023)

Primeiro álbum da Tangolo Mangos, “Garatujas” é uma jóia do rock baiano, uma história sendo construída em tempo real unindo psicodelia, indie, bossa nova e outras sonoridades em um só resultado, que soa coeso e homogêneo. Mesmo se aventurando em diversos sons ao mesmo tempo, a banda consegue apresentar sua identidade e originalidade.

“Pensei muito em qual álbum encerraria a lista. Poderiam ser tantos. Mas no momento atual da minha vida, inserir o ‘Garatujas’ aqui faz muito sentido. A primeira vez que ouvi Tangolo Mangos foi em 2024, com o EP ‘Mangas a Caminho da Feira’.

Não foi um impacto imediato no primeiro contato que tive com eles, mas fiquei instigada com a ideia de ouvi-los ao vivo. Assim, no final de 2025, finalmente aconteceu. Na abertura do show da Vivendo do Ócio, no Largo Tereza Batista, no Pelourinho, vi uma banda elétrica e totalmente entregue ao que faziam.”

“Quando ouvi o ‘Garatujas’ pela primeira vez, depois desse show, algo mudou. Um álbum que reúne bossa, indie, rock, psicodelia, e até forró. É inventivo, único, nunca tinha ouvido nada igual antes.

É um disco recente, mas que reafirma a potência do rock baiano, e não só isso, mas da música brasileira contemporânea. Tem uma identidade muito forte, que mesmo com referências claras, é inovador em meio a tantas produções que são mais do mesmo.

Este mês ele deixa de ser o caçula para se tornar o irmão do meio com o lançamento do segundo álbum de estúdio da banda, ‘Pedágios Y Caronas’. Ele vem ao mundo com a faixa ‘DOMINÓ (Citação: “Falando Nisso)’ já lançada como single. Um spoiler de mais um trabalho feito com excelência.”

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Assine agora

“Eles me salvaram! Estão pegando esse bonde andando, mas estão dando uma cara deles ali e que acaba sendo a pegada de cada um. Ninguém tem a mesma pegada, então, de certa forma, dá uma roupagem nova”, admite Goma sobre os jovens garotos.

Apesar da ruptura, a formação original segue mantendo a amizade, característica que Ed classifica como o principal elo para manter a banda em atividade. “Banda de rock é isso aí, pelo menos o underground, eu acho: amizade e gostar do que faz”, conta Goma.

Já são treze anos nos palcos e no cenário underground da região. Pensando por esse lado, até que o disco de estreia demorou, mas ele veio, em 2023, com um gosto especial: uma gravação no melhor estilo punk, sem metrônomo ou todas essas coisas de estúdio, totalmente ao vivo e com os membros da primeira versão do trio; Anderson Silva, no contrabaixo, e Luis Ludwik, na guitarra.

A banda surgiu “sem querer” – os caras estavam só ensaiando, sem pretensão, quando surgiu a oportunidade de substituir um grupo em uma festa – e teve poucos dias para decidir tudo, inclusive o nome. “No ensaio, a gente tocou uma música que se chamava ‘Escravo da Merenda’ e acabou que isso se tornou o nosso nome. Foi daí que surgiu essa coisa toda”, assume Ed, de forma bem-humorada.

Abaixo, você acompanha um papo sobre música autoral, festivais, a união da cena underground em Vitória da Conquista e um pequeno, mas válido, disclaimer sobre merendas favoritas na escola (risos).

Danilo Souza entrevista Ed Goma

Danilo: Como surgiu a banda e esse conceito de ser um “escravo da merenda”?

Ed: A banda começou em 2013, especificamente no dia 21 de abril, formada por mim, Ed Goma, na bateria e vocal, Anderson Silva, baixista, e Luis Ludwik, que era o guitarrista. Nós, enquanto músicos solo, já estávamos no cenário desde 2000, 2001, 2002, por ali. Anderson tinha ido pra São Paulo, mas acabou voltando e nós sempre nos encontrávamos no [bairro] Guarani e no [bairro] Ibirapuera, ali era o núcleo da coisa toda.

Ia rolar um show em Poções [cidade vizinha de Vitória da Conquista] e a [banda punk] Cama de Jornal ia tocar, mas uma banda faltou e a gente tava ensaiando aleatoriamente, sem necessariamente ser uma banda ainda. Emanuel “Nem Tosco Todo” [vocalista da Cama de Jornal] falou: “vocês querem tocar no lugar dessa banda?” e nós topamos! A banda não tinha nem nome. No ensaio, a gente tocou uma música que se chamava “Escravo da Merenda” e acabou que isso se tornou o nosso nome. Foi daí que surgiu essa coisa toda.

Danilo: A banda está em atividade na cena de Vitória da Conquista desde abril de 2013, o que faz com que vocês sejam um dos grupos mais longevos de punk da cidade. Fazendo uma brincadeira e uma alusão à merenda, qual é o “ingrediente” que sustenta a Escravos há tanto tempo?

Ed: Amizade. Hoje, só eu que estou da formação que formou a banda, mas ainda mantive a amizade com o pessoal que saiu. E também despretensão! A gente fazia porque gostava, isso era uma razão para se juntar também. Ter tempo, gostar do que faz e contar com pessoas que estejam afim, com o mesmo pensamento… banda de rock é isso aí, pelo menos o underground, eu acho. Amizade e gostar do que faz.

Danilo: Treze anos não são treze dias, ainda mais sendo um trio punk. Quais memórias você tem ao pensar na história do Escravos da Merenda até aqui?

Ed: A Escravos da Merenda, para além das outras bandas que toco, das outras coisas que faço e que vivo, é uma das coisas que ultimamente mais me deu alegria de estar fazendo. É algo que gosto muito de fazer, é onde descarrego a arte. A Escravos da Merenda é a banda que estou mais me dedicando.

A gente, desde a formação, faz parte desse underground de Vitória da Conquista, e tocamos em algumas coisas marcantes; a Casa do Rock, o Point do Rock, o Agosto de Rock e alguns shows em Poções e Itapetinga também. Demos um giro pela região e tocamos em praticamente quase todos os anos pelo menos uma vez.

Danilo: As formações foram mudando e você permaneceu como o único membro original da banda. Apesar disso, no primeiro álbum da Escravos, lançado em 2023, Luis Ludwik [à esquerda, na foto da capa acima] e Anderson Silva [à direita], os dois outros membros da primeira formação, aparecem creditados como intérpretes e compositores.

Como foi gravar o disco de estreia ao lado das pessoas que fizeram parte da história da banda desde o início?

Ed: As músicas do primeiro álbum são todas parcerias. A maioria é minha e do Luís, e tem algumas do Anderson também. Tinha que ser eles para registrar essa formação, eu acho que é fazer a justiça e ter mais aquela cara da banda mesmo, mostrar como era da forma original, tinha que ser eles, sempre bati nessa tecla. Eu fechei um ciclo com satisfação. [O disco] não é uma gravação no metrônomo, não é uma gravação músico por músico, foi todo mundo tocando ao vivo, uma gravação de ensaio, só que com qualidade, e foi isso, foi de forma underground e satisfatória.

Danilo: Hoje, dando continuidade a trajetória da Escravos da Merenda, agora com novos membros – Joanderson Felix, na bateria, e Lázaro Amaral, na guitarra – aquela fome do início para fazer arte continua a mesma? Os meninos trouxeram um “tempero novo” para a merenda?

Ed: Sim, eles me salvaram! Joanderson eu conheci na universidade, nós fazíamos o curso de História e ele ia nos rock and roll da vida, me via e a gente falava, já Lázaro conheci em uma outra banda. Eles estão pegando esse bonde andando, mas estão dando uma cara deles, que acaba sendo a pegada de cada um. Ninguém tem a pegada igual, então, de certa forma, dá uma roupagem nova. Percebo também que nas composições já é uma outra pegada. Com a saída dos antigos componentes, você acaba vendo a diferença nas composições que vão surgindo.

Danilo: Com essa formação, vocês têm aparecido cada vez mais em festivais da cidade, a exemplo do Conquista Punk Rock e o Conquista Alternativa. Qual a sensação de ter o trabalho reconhecido e lembrado para estar nesse circuito das apresentações ao vivo?

Ed: Eu nunca saí do palco e da cena. Talvez a novidade seja pros meninos, porque eu sempre estava tocando em mais de uma banda; quando uma não tocava, estava tocando com a outra, tanto nos shows de rock underground, festival ou em barzinhos mesmo.

Mas é muito bom tocar. [Teve o] Agosto de Rock [festival independente da cidade, que voltou a realizar uma nova edição, em 2024, após vinte anos de hiato] e que já é a marca daqui da cidade, enfim… só fazendo parte da cena e contribuindo para ela para ser reconhecido pelo público e pelo pessoal do evento. É fazer o que tem que fazer, de coração e com vontade.

Danilo: Ainda pensando nesse circuito de festivais locais, ao comparar as décadas anteriores, já que você estava lá, houve uma evolução na qualidade e na quantidade desses eventos?

Ed: Em quantidade, antigamente, tinha mais shows e mais festivais: o próprio Agosto de Rock, o Babilônia, Rock Vertente, Rock de Subúrbio, Rock In Concert, Noites Fora do Eixo, enfim… tinha muito espaço para fazer isso, podia fazer em estacionamento, no [teatro] Carlos Jehovah, no Centro de Cultura, nas escolas, nas praças e tudo.

Hoje, já não se vê essa quantidade de lugares de espaços públicos para fazer shows de rock ou, quando tem, estão fechados, que é o caso do Carlos Jehovah [o teatro, que já foi um dos lugares mais importantes para a Cultura da cidade, está fechado – leia-se: praticamente abandonado pela gestão municipal atual – há um pouco mais de cinco anos] e para fazer em outro lugar tem toda uma burocracia, como a questão dos vizinhos e o valor.

Mas é isso, hoje tem qualidade, mas não tem quantidade. Antigamente tinha quantidade, mas não tinha tanta qualidade, falo do ponto de vista de instrumental mesmo, de som. Não que aquilo era ruim, mas em questão de qualidade, de tecnologia, de aquisição de um instrumento melhor, de um som melhor, de pessoas mais capacitadas para isso, tanto o músico quanto o produtor, essa é a grande diferença.

Danilo: De que modo você enxerga essa união da cena?

Ed: Hoje tem a gente, Simple Jeans, Signista, Outra Conduta, Cama de Jornal, Renegados, Mictian, Headless Queen, que tão lançando coisas autorais, e a Dona Iracema, que está mais em destaque e sempre está tocando fora. Pela quantidade, [comparado com] antigamente, hoje tem menos bandas, mas tem muita banda produzindo clipes, músicas, gravando CD e tocando.

Danilo: Ao anunciar apresentações no Instagram da banda, você costuma dizer a frase “traga a vasilha” para os ouvintes e seguidores. Acredito que, para eles, a hora do show é como a hora da merenda na escola, o momento mais esperado. O que os fãs da Escravos podem esperar para o futuro da banda? Vocês continuam na estrada pro ao vivo ou estão compondo coisas novas?

Ed: O cara que colocou isso na cabeça [“traga a sua vasilha”] é o Vitor Quadros [também músico, baixista da banda Princípio Ativo], que sempre falou esse bordão. Não sei se é do carro do sorveteiro, que falava tipo “vai passar o sorveteiro, três bolas de sorvete por um real, traga a vasilha”, mas acho que vem dali e é um bordão que encaixa bem com a banda.

Sobre a pergunta, um pessoal do curso de Cinema da Universidade Estadual da Bahia [UESB] entrou em contato com a gente para fazer um mini-documentário sobre a banda. Além desse documentário, vamos tentar gravar o segundo disco com essa formação, não sei quando, mas é o plano. Então é isso; segundo disco, documentário, e talvez um videoclipe, por enquanto.

Danilo: Depois de falar de música, a pergunta que não podia faltar: qual era sua merenda favorita na escola?

Ed: Eu gostava do suco de cajá, do pão com carne moída e do achocolatado com bolacha [ou biscoito?]. A real é que eu gostava de tudo (risos).

Danilo: Esse do pão com carne… eu sempre estudei em escola pública, e quando esse era o lanche do dia, era coisa de formar fila para pegar (risos)

Ed: É, e barrava de repetir, porque senão não dava pra todo mundo. E tem outras que o pessoal dispensava e acabava virando bagunça, começava a jogar a merenda um no outro, era complicado (risos).

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Assine agora

O disco de estreia de Raul, “Krig-ha, bandolo!”, lançado em 1973, chamou a atenção dos censores não só pelos temas das letras, apesar de algumas críticas bem óbvias ao regime, como “Dentadura Postiça”, terem passado batido, mas também pelo título do álbum. “[Krig-ha, bandolo?] Que merda é esta? Em que língua isso está escrito?” interrogou um policial que enquadrou Paulo Coelho no Departamento de Ordem e Política Social (Dops), em maio de 1974.

Essa é uma das histórias presentes na biografia “Não diga que a canção está perdida”, escrita por Jotabê Medeiros, e que traz tudo sobre Raul Seixas. Neste texto, você lerá sobre o interrogatório e a prisão de Paulo Coelho e como esse episódio mudou a sua relação com o Raul.

“Krig-ha, bandolo? Que merda é esta?!”

Após o estrondoso sucesso do primeiro disco, a dupla deu início aos trabalhos do segundo álbum. “Gita”, que chegou ao público em 1974, apresentou clássicos como “Medo da Chuva” e “Sociedade Alternativa”, além da própria faixa-título, por exemplo. A popularidade de Raul e Paulo estava aumentando e suas ideias estavam chegando em cada vez mais pessoas, o que irritava os militares e suas paranóias.

“No dia 24 de maio de 1974, Paulo Coelho recebeu um telefonema de Raul Seixas. O parceiro comunicava ter sido intimado a comparecer na segunda-feira ao Dops [Departamento de Ordem Política e Social] para prestar esclarecimentos sobre o conteúdo de ‘Krig-ha, bandolo!’. Raul pedia que Paulo fosse com ele, mas não porque tivesse medo ou coisa do tipo, apenas para deixar mais consistentes as eventuais explicações, já que dividiam a autoria de cinco músicas.”

Raul foi o primeiro dos dois a ser interrogado. Ao voltar do corredor para onde foi levado, tentou mandar um recado cantarolando uma música para Paulo Coelho, que estava esperando sentado enquanto lia um jornal.

“Meia hora depois, [Raul] regressou. Em vez de ir direto até onde o parceiro estava sentado, dirigiu-se a um telefone público na parede e fingiu discar um número. Em seguida, começou a cantarolar:

– My dear partner, the men want to talk to you, not to me… [Querido parceiro, os caras querem falar contigo, não comigo…]

Mas Paulo não pegou o recado que Raul lhe transmitia. Ele estava de pé, rindo da maluquice do amigo, já se preparando para ir embora, sair daquela atmosfera de pesadelo plácido.”

Até que Paulo Coelho entendeu o recado da pior maneira possível. Quando se preparava para ir embora, um militar colocou a mão no seu ombro o avisando que ele ainda não estava liberado e teria que prestar esclarecimentos sobre o “Krig-ha, bandolo!”. Segundo o que conta Jotabê no livro, Coelho não foi interrogado de imediato, ficando preso por algumas horas em “um cubículo que exalava cheiro de urina com desinfetante”.

Quando enfim foi confrontado, o escritor percebeu que os policiais tinham um exemplar da história em quadrinhos que acompanhava o encarte do disco. Para eles, aquilo poderia ser um indício de alguma mensagem subliminar e uma possível ameaça para o governo, o que seria reforçado posteriormente com a tal “sociedade alternativa”.

– Que merda é esta? – perguntou o policial ao escritor, apontando o gibi de Krig-ha na mesa

– Este é o encarte que acompanha o LP lançado por mim e por Raul.

– O que significa Krig-ha, bandolo?

– Significa: ‘cuidado com o inimigo!’.

– Inimigo? Que inimigo? O governo? Em que língua isso está escrito?

– Não! Não é nada contra o governo.

“Para a polícia política, tentar aprisionar as ideias sempre fora mais importante do que combater crimes”

Sobrou até para a esposa de Paulo, a Adalgisa Rios. Foi ela quem ilustrou os desenhos presentes na HQ, e por isso os militares decidiram que também queriam ouvir uma explicação dela.

“Depois, Paulo contou que o gibi fora uma invenção sua, e a sua mulher [Adalgisa], ilustradora, havia desenhado.

– E como se chama a sua mulher? Quero ouvi-lá também. Onde ela está agora?

Paulo entrou em pânico. Dizer o nome poderia ser fatal para Adalgisa, mas não dizer poderia ser uma armadilha, pois eles descobriram facilmente. Contou [o nome] ao troglodita, que o intimou a levantar e seguir.

– Vamos lá, vamos buscar a patroa.”

Sem ter o que fazer, Paulo deixou o lugar onde estava sendo interrogado em um veículo sob a vigilância de quatro policiais. Coelho tentou fazer uma ligação por telefone, num orelhão, para Adalgisa, com medo de sofrer mais alguma violência, pois sabia que possuía maconha em sua casa e que os militares iriam encontrar a droga. Ele queria que a sua esposa jogasse fora antes que eles chegassem.

“O escritor foi enfiado em uma perua branca e preta, com o logotipo da Secretaria de Segurança Pública do Rio de Janeiro, entre dois policiais armados e mais dois no banco da frente. Ele ainda tentou pedir ao policial para dar um telefonema em um orelhão, na rua. Queria pedir para Gisa, caso ela atendesse, jogar fora uma caixinha com maconha que guardava na sala, que poderia complicar a vida deles. Já em seu prédio, três policiais subiram com ele até o apartamento, o outro ficou no veículo.”

Ao chegar em casa acompanhado por policiais, Paulo logo tentou explicar a situação para sua esposa, em uma tentativa de amenizar o pânico. No apartamento do casal, inclusive, os militares realmente encontraram a maconha, mas pouco se importaram. Eles se preocupavam mais com as ideias que o escritor propagava do que com o que ele usava ou deixava de usar.

– Meu amor, eles são do Dops e precisam de alguns esclarecimentos sobre meu disco com o Raul e sobre o gibizinho que você e eu fizemos para o encarte.

– Pois não, estou às ordens. O que os senhores querem saber? – disse Gisa.

Paulo foi novamente preso, desta vez com Adalgisa. Eles foram interrogados por horas sobre a história em quadrinhos e também sobre a sociedade alternativa, que, para os militares, era claramente “um projeto comunista”.

“Levaram Paulo Coelho e Adalgisa Rios para a prisão. Inicialmente, sem torturas físicas, foram interrogados durante horas, e quase sempre o policial que os interrogava tinha à sua frente a HQ ‘A fundação de Krig-ha’. Outra obsessão era saber o que significava o elogio à tal Sociedade Alternativa – estavam firmemente convencidos de que se tratava do projeto de uma célula comunista.”

“Raul, quando levou Paulo Coelho à polícia, ou sabia que o escritor ficaria por lá bastante tempo”

Depois de três horas sendo interrogado, os policiais liberaram o casal. Raul Seixas, que estava esperando por Paulo Coelho, afirma Jotabê, o reencontrou e o convidou para um café. Meio sem clima, Paulo recusou e disse que queria ir pra casa dos pais. O cantor então pediu um táxi para o escritor, que entrou no carro, mas não foi muito longe…

“Raul chamou um táxi, Paulo entrou, mas o veículo não andou mais que algumas quadras. O táxi foi fechado por dois carros com homens armados, ele foi retirado de dentro e foi levado deitado no chão do veículo dos captores sem poder olhar o caminho. A liberação tinha sido uma farsa: durante duas semanas, preso em um lugar que nunca saberia onde ficava, o escritor foi torturado física e psicologicamente.”

Ter sido torturado marcou a vida de Paulo Coelho e as suas relações. Raul Seixas, seu parceiro, deixou de atender às suas ligações, segundo Paulo. Já a sua esposa, Adalgisa, não quis mais continuar com Coelho após ter sido “entregue” à polícia por ele, que informou para os militares o seu nome e onde ela estava. E o seu pai vivia sempre em alerta após o episódio, chegando a comprar uma arma e prometendo atirar nos militares caso eles retornassem.

“O episódio deixaria um vácuo permanente na relação de Raul e Paulo, que nunca mais seria a mesma. Paulo Coelho recorda a difícil retomada da rotina após o tempo cativo e sob tortura. ‘Vou para a casa de meus pais. Minha mãe envelheceu, meu pai diz que não devo mais sair na rua. Procuro os amigos, procuro o cantor, e ninguém responde aos meus telefonemas.’ O escritor parece sugerir, talvez pela primeira vez inequivocamente, que Raul lhe negou apoio quando mais precisou, quando saiu da cana.”

Quatro décadas depois, em 2014, com a divulgação do relatório final da Comissão Nacional da Verdade (CNV), que apurou as violações de direitos humanos, como prisões arbitrárias, tortura, desaparecimentos forçados e execuções, cometidas durante o período da ditadura militar, Paulo Coelho teve a sua versão da história confirmada. Raul Seixas realmente ficou por pouco tempo em seu interrogatório, cerca de trinta minutos, enquanto o escritor foi questionado por horas pelos militares.

Após mais alguns anos, em 2019, Paulo teve acesso a um documento que apresentava um resumo do depoimento de Raul Seixas, datado de 24 de abril de 1974 e com um selo de “arquivo confidencial”. O documento dava a entender que o cantor estava ciente do que poderia acontecer ao levar o escritor para depor com ele, mas mesmo assim tomou essa decisão.

A parceria de composições entre Paulo e Raul ainda permaneceu por mais dois anos, resultando nos discos “Novo Aeon”, de 1975, e “Há Dez Mil Anos Atrás”, de 1976. No ano seguinte, 1977, Raul trocou de gravadora, indo da Phillips para a Warner, e de parceiro, passando a escrever ao lado de Cláudio Roberto, com quem compôs hits como “Maluco Beleza” e “O Dia Em Que a Terra Parou”.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Assine agora

Com base nos votos, o Jornal organizou uma lista com as canções que mais foram citadas. Neste texto, você acompanha um recorte somente do top dez, mas caso queira ler a seleção inteira, que possui 100 músicas, clique aqui.

Veja a lista em ordem decrescente abaixo.

10. João Bosco e Aldir Blanc – O Bêbado e o Equilibrista (1979)

Considerado o hino informal da Lei da Anistia, que, em 1979, trouxe de volta ao país alguns dos brasileiros que haviam sido exilados pela ditadura militar, o samba ficou conhecido nacionalmente na voz de Elis Regina, que gravou a faixa em seu disco “Essa Mulher”, no fim da década de 70.

Para Gabriel da Muda, cantor de samba e um dos votantes, “O Bêbado e o Equilibrista” foi um marco e ainda gera muita comoção, mesmo quase 50 anos após o seu lançamento.

“Escolhi esta, primeiro, porque para mim é inimaginável uma lista de melhores e mais icônicas músicas da MPB sem uma da parceria de Aldir Blanc e João Bosco. Segundo, pela importância da música, um marco, que na época em que foi lançada ficou meio que como um hino da Anistia e até hoje gera muita comoção quando é cantada. É impressionante como as pessoas imediatamente ligam ‘O bêbado e a equilibrista’ àquele período obscuro da ditadura”, contou.

9. Roberto Carlos e Erasmo Carlos – Detalhes (1971)

Em 1971, já após o fim da Jovem Guarda, em pleno vapor com o projeto de se tornar o maior cantor romântico do país, Roberto Carlos escreveu “Detalhes”, uma canção sobre como é difícil esquecer um grande amor.

Na terceira parte da letra, o artista teve dificuldades e então chamou o seu grande parceiro, Erasmo Carlos. Um dos maiores sucessos da parceria entre os dois, a música foi lançada no disco “Roberto Carlos (1971)” que consolidou a sua carreira como cantor para todo o Brasil.

Andreas Kisser, guitarrista do Sepultura, foi um dos músicos que votou nesta faixa.

“’Detalhes’ é uma música espetacular, super simples e muito emblemática, muito Brasil. Ela faz parte da minha vida, ouço ela praticamente desde que nasci”, disse Kisser.

8. Caetano Veloso – Alegria, Alegria (1968)

Com título inspirado, de forma irônica, em um bordão do cantor Wilson Simonal em seu programa de TV, ao mesmo tempo em que poderia ser lida como um grito de liberdade contra a ditadura e uma crítica à alienação da juventude, “Alegria, Alegria” também mergulhava nas guitarras elétricas e no universo pop.

Apresentada no Festival da Música Popular Brasileira da Record de 67 (no qual ficou em quarto lugar), ela retornou com força quase três décadas depois na abertura da série de TV “Anos rebeldes” e nas manifestações pelo impeachment do presidente Fernando Collor.

7. Ary Barroso – Aquarela do Brasil (1939)

Composta em 1939 por Ary Barroso, a canção “Aquarela do Brasil” foi gravada originalmente por Francisco Alves. Em 1942, a faixa ficou conhecida em todo o mundo por conta da animação “Watercolor of Brazil”, da Disney , estrelada por Zé Carioca. Carmen Miranda, Frank Sinatra (que a gravou como “Brazil”), João Gilberto, Tom Jobim, Caetano Veloso, Tim Maia, Gal Costa, Erasmo Carlos e Elis Regina foram alguns dos muitos intérpretes deste samba.

João Barone, baterista dos Paralamas do Sucesso, define que a canção de Ary Barroso por muito tempo foi como um hino brasileiro alternativo.

“‘Aquarela do Brasil’ foi, durante muito tempo, considerada o hino nacional alternativo do nosso país, pela beleza da canção e da poesia retratando nossas terras e nossa gente”, relatou o paralama.

6. Cartola – O Mundo é um Moinho (1976)

Composta em 1943, mas gravada pelo autor só em 1976, “O Mundo é um Moinho” virou um clássico por sua visão devastadora sobre as desilusões que a vida pode trazer. Cartola traz a preocupação com o futuro de sua filha adotiva, Creusa, que estava entrando na adolescência e começando a demonstrar interesses amorosos. Um conselho paterno, expressando o medo de que ela se machucasse e se decepcionasse com as escolhas da vida adulta.

Para Frejat, ex-guitarrista do Barão Vermelho e um dos principais compositores do Brasil, “O Mundo é um Moinho” mostra a sensibilidade e a genialidade de Cartola.

“A sensibilidade dele na letra dessa música e na composição é de um nível impressionante… a profundidade, a maneira como ele aborda a história, o formato, a qualidade lírica da letra, a bela melodia.”

5. Chico Buarque – Construção (1971)

Faixa-título do álbum lançado por Chico Buarque em 1971, “Construção” é uma crítica à exploração dos trabalhadores, à alienação e à desumanização presente na sociedade capitalista. O compositor recorreu à repetição, engenhosamente embaralhada, da estrutura da letra e à escolha de palavras proparoxítonas no final dos versos, que criam um ritmo mecânico, reflexo da rotina e da falta de sentido na vida do trabalhador.

4. Tom Jobim e Vinicius de Moraes – Chega de Saudade (1959)

Composta em 1956, com letra de Vinicius e melodia de Tom , a canção foi gravada dois anos depois por Elizeth Cardoso no álbum “Canção do amor demais”, com arranjos de Tom e um iniciante João Gilberto no violão. Pouco tempo depois, João lançaria, com seu violão e voz, um compacto simples com “Chega de saudade” e “Bim bom” – era o ponto zero da bossa nova, que em pouco tempo se espalharia pelo mundo.

“Chega de Saudade é uma joia, um samba muito bem feito, da obra de dois imensos compositores. Um samba com aquela melancolia da primeira parte em tom menor e aquele refresco da esperança na segunda parte, em tom maior”, relatou Pedro Paulo Malta, pesquisador e jornalista.

3. Tom Jobim – Águas de Março (1972)

Dez anos depois da “Garota de Ipanema” com Vinicius de Moraes, Tom Jobim vivia um tempo de quase esquecimento no Brasil, quando a ditadura militar, ainda por cima, lhe causava cada vez mais constrangimentos. Em março de 1972, após um dia de trabalho em seu sítio, ele começou a compor uma melodia ao violão.

Animado, decidiu-se a fazer a letra, usando as imagens das chuvas de março como metáfora para o ciclo da vida, entre a esperança e o desespero. Lançada num compacto pelo jornal O Pasquim e incluída no álbum “Matita Perê”, “Águas de março” se tornaria uma de suas músicas mais conhecidas — e imortal, no dueto com Elis Regina, gravada no álbum “Elis & Tom” (1974).

2. Pixinguinha e João de Barro – Carinhoso (1922)

Apesar de ter sido composta em 1922 – portanto, fora do recorte temporal proposto pelo Jornal O Globo – “Carinhoso” entrou na lista já que só foi lançada em 1937, na voz de Orlando Silva. Uma das canções brasileiras mais regravadas em todos os tempos, a faixa ganhou letra em inglês e se tornou um hit romântico nos anos 1970 como tema da novela “Carinhoso”, da TV Globo.

1. Luiz Gonzaga e Humberto Teixeira – Asa Branca (1947)

A mais importante canção nordestina de todos os tempos, “Asa Branca” foi composta em 1947 por Luiz Gonzaga e seu parceiro, o médico Humberto Teixeira, e lançada no lado B de um disco de 78 rotações, com a música “Vou prá roça” no lado A. Apesar de ser considerada lamurienta e triste, o baião com melodias emprestadas do folclore fez muito sucesso e recebeu inúmeras regravações dos mais importantes artistas da MPB. Entre eles, Raul Seixas, que a transformou em um country em inglês chamado “White wings”.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Assine agora

“Diário de um Detento” é a sétima faixa do disco “Sobrevivendo no Inferno”, lançado em 1997. O contexto da canção aborda a violência presente nas prisões do Brasil, tornando-se um hino para a luta pelos direitos humanos e a reforma do sistema carcerário brasileiro.

Um fato que talvez os ouvintes dessa faixa não conheçam é que ela foi composta por um detento que vivenciou de perto o massacre do Carandiru, em 1992, num triste episódio real que resultou na morte de 111 presos e que deixou a história por trás da música ainda mais pesada.

Em um dos versos, o compositor chega a comparar os acontecimentos no presídio com os feitos de Adolf Hitler, ditador e líder da Alemanha Nazista durante a Segunda Guerra Mundial.

A canção foi mais amplificada ainda após o lançamento do seu videoclipe, com uma boa parte das imagens gravadas na Casa de Detenção de São Paulo, o Carandiru, em uma ação ousada, mas que era o objetivo de Mano Brown.

“Ou filma no Carandiru, ou não tem clipe”, comentou ele em uma reunião a respeito do assunto. Para realizar as gravações na Casa de Detenção foi necessário a autorização de um juiz, mas com algumas condições, como o tempo de gravação e a quantidade de pessoas e equipamentos.

Os membros dos Racionais, principalmente Mano Brown, eram vistos como ícones para os encarcerados e, por este motivo, os presos colaboraram para que as imagens ficassem ainda mais fiéis à sua realidade. Maurício Eça, o diretor do clipe, assumiu mais tarde que chegou a ter medo de que a situação saísse do controle durante as gravações.

Publicado em 1998, o clipe, mesmo com oito minutos de duração, tinha presença frequente no programa “Disk MTV”, que exibia diariamente os dez videoclipes mais pedidos na MTV, ajudando a alavancar a mensagem trazida nos versos e imagens. E isso teve resultado.

Ainda no mesmo ano, o trabalho recebeu três indicações no prêmio MTV Video Music Brazil, e venceu duas: “Melhor videoclipe de Rap” e “Escolha da Audiência”. Anos depois, em 2012, o clipe apareceu na segunda colocação em uma lista dos melhores clipes da história da música brasileira, divulgada pela Folha de São Paulo.

“Diário de um Detento” é uma obra que se tornou atemporal, já que mesmo quase 30 anos depois do seu lançamento ainda é possível encontrar paralelos entre a letra e o que se vive nos complexos penitenciários do país.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Assine agora

Para muitos, Michael Jackson é o maior artista solo da história da música. E, de fato, desde cedo já havia talento ali, não só em Michael, mas em todos os irmãos que integravam a banda; Jackie, Tito, Jermaine e Marlon. O pai e empresário do grupo, Joseph Jackson, apostou nos meninos e se dedicou a transformá-los em grandes músicos.

Esse era um sonho que, sim, também era dos filhos, mas parecia ser mais do pai, que pegava pesado com os garotos. O mais jovem, Michael, principal cantor, apanhava se “não tivesse ido bem o suficiente”, na visão de Joseph, e até perdia aulas para ensaiar e viajar para fazer shows.

Quando o Jacksons 5 estourou, Michael ainda era uma criança. A fama precoce, a agenda cheia e a pressão o forçaram a crescer antes da hora, o dificultando a ser visto como um “garoto normal” da sua idade.

Michael se tornou um produto, pior ainda, um produto que pertencia à uma marca; os Jacksons, liderados por Joseph. Mesmo já adulto, a presença e os abusos psicológicos do pai permaneciam ali. Para gravar o disco solo “Off The Wall”, de 1979, representantes da gravadora tiveram que convencer Joe, que, como aparece no filme, contra-argumentou:

O álbum foi um sucesso, e, claro, o pai se aproveitou disso e planejou uma turnê para os Jacksons 5 – que, basicamente, teria no repertório diversas canções do disco – e ignorou que Michael já se preparava para sua própria série de shows.

Para gravar o disco seguinte, “Thriller”, já em um outro patamar dentro da indústria, Michael tinha mais privilégios. Foi aí que deu um passo ousado, considerando seu contexto, mas crucial; demitir seu próprio pai e arranjar uma nova pessoa para gerenciar a sua carreira. O escolhido foi John Branca. Com mais liberdade criativa e menos pressão, o resultado foi o álbum mais vendido da história até hoje, mais de quarenta anos depois de seu lançamento.

Leia: Como a ambição fez Michael Jackson vencer oito grammys na mesma noite com o álbum “Thriller”

Em alta como um artista solo, novamente os abusos psicológicos de Joseph voltaram a atingir Michael. O pai argumentava que o filho chegou ao topo sozinho e se esqueceu dele e dos irmãos, que o ajudaram nos anos iniciais de carreira.

Dessa forma, pensando na família, o rei do pop aceitou participar da “Turnê da Vitória”, de novo arranjada por Joseph, que ainda era empresário de três dos quatros irmãos que permaneceram no Jacksons 5 e que tinha a mesma estratégia que a turnê anterior: aproveitar para vender os sucessos do cantor como um produto da marca dos Jacksons, sem permitir que ele fizesse uma turnê solo.

Mesmo quando Michael quase morreu enquanto gravava uma propaganda para a Pepsi, quando uma faísca caiu em seu cabelo e causou queimaduras graves em sua cabeça, Joseph parecia estar mais preocupado com os negócios do que com a vida do filho. Seu primeiro questionamento ao médico foi: “quando ele vai poder voltar a se apresentar?”.

Já o cantor usava o dinheiro que ganhava para tentar viver a infância que nunca teve, dando início ao projeto do que seria a Neverland, um parque de diversões privado inspirado em Peter Pan, em um rancho de Michael.

Há quem diga que o filme pecou por não ter entrado nas polêmicas da vida do cantor, como as acusações de pedofilia e abuso sexual. Ao mesmo tempo, dá pra entender a suavização da história e o foco na carreira.

Michael foi um garoto negro que saiu de uma cidade pequena nos Estados Unidos e se tornou o maior nome da música por décadas, mas por um preço caro; viver a infelicidade, as câmeras e fotos ao seu redor desde a infância e a desumanização por parte do próprio pai, enquanto sobrevivia para e pela música.

De acordo com a CNN, uma segunda parte do longa-metragem deve ser lançada para contar sobre as outras fases de Michael até o fim da sua vida, em 2009.

Sobre a newsletter

Assinada pelo jornalista musical Danilo Souza, a “O Que Toca na Vitrola” é uma newsletter para falar sobre discos a partir de um olhar que mescla a paixão pela música com os ideais e características clássicas do jornalismo.

Presente no cenário local e nacional desde 2023, Danilo escreve profissionalmente para os sites Scream&Yell, um dos mais aclamados e renomados da Cultura Pop, em atividade há 26 anos, e Musicult, documentando a cena independente de Vitória da Conquista, na Bahia, e conversando com artistas de todo o país.

Assine agora